Reexaminando a... Viridiana (50 años de su victoria en Cannes)

Viridiana (****)
de Luis Buñuel y Julio Alejandro

Viridiana es una obra maestra de la perversidad, que junto con Lolita de Kubrick y Nabokov son los máximos exponentes de la perversión en un alarde de simpleza, sin tener que recurrir a lo grotesco o a la violencia física al estilo de Lars von Trier en alguno de sus trabajos.

Mayor es el mérito. Sin apenas mostrar, Buñuel lo dice todo en esta relación tío-sobrina, en la llegada de ella, en la obsesión de él. El dolor y la tragedia pueden estar en un vestido de boda, en un juego de cartas, en una última cena.

Sin duda la censura jugó un papel fundamental. En el intento de evitarla (finalmente fue censurada aunque en principio contó con el apoyo del régimen), Buñuel incita más que muestra, y hace que la imaginación juegue un papel fundamental, y la perversidad alcanza su mayor hito.

Palabra del hijo “…había un dibujante allí [en México] que hizo una caricatura en la que mi padre le deja un paquete a Franco que se llama Viridiana. Se aleja riendo y ¡Bum!, le explota a Franco en la cara. Eso hizo mi padre con esta película: meterle una bomba a la dictadura”.

Libros de cine

Conversaciones con Woody Allen (****)
de Eric Lax

Mano a mano entre Woody Allen y Eric Lax (también biógrafo de Woody Allen) donde conversan desde los comienzos de la carrera cinematográfica de Allen hasta el año 2006 (en la 1ª edición).

Con él repasa todos los pormenores de sus producciones, de sus proyectos futuros (pudiendo comprobar si finalmente llegan a buen puerto) o sobre la valía de algunos de sus filmes (vistos desde la actualidad).

Este juego temporal es lo más interesante de las entrevistas que, por otro lado, no termina de llevar bien Eric Lax, desconcertando con algunas preguntas y dejando escapar otros aspectos más interesantes. Aún así, el libro crece, y lo hace porque lo más interesante es Woody Allen, que se manifiesta abiertamente (sobre todo en el tramo final de su carrera) sobre sus actrices fetiches, sus actores preferidos, sobre los trabajos de producción, de fotografía… pudiendo entrar en ese maravilloso mundo del rodaje cinematográfico.

Lo mejor es ver su evolución. Los miedos del primerizo cuando estaba encadenado a las comedias alocadas, el sufrimiento por el paso a comedias más serias o directamente a dramas sin contemplaciones. Poco a poco fue ganando seguridad en sí mismo y empezó a trabajar libremente, lo que le ha convertido en un genio, porque, como él mismo dice, se lo pasa bien haciendo lo que hace, que podría ser mejor, con más años de preparación, pero en ese punto de su vida hay cosas que no quiere sacrificar: la familia y el partido de los Knicks están primero.

Series - Criticando, siempre criticando

Misfits (***)
de Howard Overman

Por fin unos superpoderes masivos. Ya estamos hartos de elegidos. La democracia llegó al mundo de los héroes. Todos podemos serlo, sólo hay que esperar bajo la tormenta. Porque eso es lo que ocurrió en Inglaterra, una lluvia torrencial y todo el mundo a jugar. Misfits se centra en cinco inadaptados que acaban en un centro de asuntos sociales, que en vez de solución, será el principio de todos sus problemas.

Misfits es irregular. Hay momentos muy brillantes, de ritmo espectacular, sostenido sobre todo por uno de los cinco inadaptados (el Nathan que interpreta Robert Sheedan es uno de lo mejores personajes que se ha visto en TV). Otras veces te preguntas qué diablos haces viendo esto. Situaciones poco convincentes y un argumento que no sostendría el escrutinio de un niño de 6 años.



No hay un hilo transversal que dé consistencia a la serie. La supuesta trama se pierde muy pronto y es secundaria. Los capítulos son situaciones a las que se deben enfrentar, pero sin mucho nexo de unión. Pero la verosimilitud da igual. Algunas veces te sorprende y te atrae, y otras veces te cansa y se repite. Esto es Misfits, un continuo vaivén, muchas veces brillante, otras deprimente.

Series - Criticando, siempre criticando

Sherlock (****)
de Mark Gatiss y Steven Moffat

Este Sherlock remozado y llevado a la actualidad es una versión mejorada de El mentalista, o ésta es una versión desmejorada del Sherlock original. El símil viene al caso por la exagerada inteligencia del protagonista, pero hasta ahí llega la comparación. Este Sherlock (magistralmente interpretado por Benedict Cumberbatch) es mucho más atractivo, más sugerente, más apasionado.


Sherlock vive por y para la investigación. No hay nada que escape de su escrutinio. En un mundo sobreinformado, en un Londres más complejo, Holmes es capaz de seleccionar lo importante, y lo importante no es saber sobre política, sobre astronomía o sobre presentadoras de televisión (para eso está Watson). Lo importante es la tardanza en la coagulación de la sangre o los procesos que experimenta un cuerpo tras la muerte.

Sherlock sí que sabe, y Watson le ayuda, pero Moriarty, él pone la sustancia que aviva la angustia de Holmes. Es la nicotina o la cocaína o lo que sea que se meta. Cada caso es una nueva prueba, y cada vez más difícil, todavía más. Lo imposible está por llegar. ¿Alguién podrá detener a Moriarty? Sólo Holmes puede.

Libros de cine

Tokio Blues - Norwegian Wood (***)
de Haruki Murakami

Como decía una letra de Drexler, una canción me trajo hasta aquí. Lo que pueden hacer las canciones de The beatles. ¿Cuál? Cualquiera, pero en este caso es el Norwegian Wood el que hace recordar a Toru Watanabe. Era un viaje cualquiera, una avión cualquiera, una llegada a Hamburgo como tantas otras.

Pero una canción te puede llevar de momento a la infancia, o lo que es peor, a la adolescencia. Una simple melodía te hace revivir una vieja amistad marcada por la muerte. Fue la novia de su mejor amigo fallecido años atrás la que se hace visible como los fantasmas a medianoche. Sólo aparecen en soledad, en la mayor de las tristezas:

−¿Te gusta la soledad? −Apoyó la mejilla sobre la palma de su mano−. ¿Te gusta viajar solo, comer solo, sentarte en las clases solo, apartado de la gente?
−A nadie le gusta la soledad. Pero no me interesa hacer amigos a cualquier precio. No estoy dispuesto a desilusionarme −aclaré.
Con una patilla de las gafas metida en la boca, la chica murmuró
−A nadie le gusta la soledad. Pero detesto que me decepcionen. Si te decides a escribir tu autobiografía, puedes incluir estas líneas.
−Gracias.

La escritura de Murakami es melancólica, dulce, sencilla, dolorosa. Todo a la vez como los tema que trata. Ésta es una novela de amor y muerte, de sexo y desasosiego, de canciones y libros.

A los 18 años, mi libro favorito era El centauro, de John Updike, pero cuando lo hube releído varias veces, perdió su chispa y cedió la primera posición a El gran Gatsby, de Fitzgerald, obra que continuó encabezando mi lista de favoritos durante mucho tiempo. Tomar El gran Gatsby de la estantería, abrirlo al azar y leer unos párrafos se convirtió en una costumbre, y jamás me decepcionó. No había una página de más. “¡Es una novela extraordinaria!”, pensaba. Me hubiera gustado hacer partícipes a los otros chicos de tal maravilla. Pero a mi alrededor no había nadie que leyera El gran Gatsby. Dudo que lo hubieran apreciado. En 1968 leer El gran Gatsby no llega a ser un acto reaccionario, pero tampoco podía calificarse de encomiable.

Pese a todo, conocí a una persona que había leído El gran Gatsby, y nos hicimos amigos precisamente por ello. […] Nos conocíamos de vista, ya que vivíamos en la misma residencia, hasta que un día en que yo estaba leyendo El gran Gatsby en un rincón solado del comedor. Él se sentó a mi lado y me preguntó qué leía. “El gran Gatsby”, le dije. “¿Es interesante?”, me preguntó. Le respondí que lo había leído tres veces, pero que cuanto más lo releía más párrafos interesantes encontraba. “Un hombre que ha leído tres veces El gran Gatsby bien puede ser mi amigo”.

Series - Criticando, siempre criticando

Downton Abbey (***)
de Julian Fellowes.

Downton Abbey es un culebrón de flema británica. Culebrón por basar gran parte de su argumento en las relaciones amorosas en torno a giros de guión, en malo muy malos y buenos muy buenos.

Británico con todas las de la ley por su factura impecable, por su reparto, su empaque y su sobriedad. Una especie de Mad Men de la nobleza británica, aunque sin llegar a la profundidad de la americana.



Bajo estos dos pilares, Downton Abbey no engaña y, lo que es mejor, puede atrapar a gran parte del público. Herencia, amor, héroes acorralados, villanos feroces… qué más se puede pedir. Quizás menos frialdad, más emoción.

Reexaminando a... Duncan Jones (Estreno de Código fuente)

Moon (****)
de Duncan Jones

Duncan Jones parece especializarse en la ciencia ficción, aunque viniendo de donde viene (hijo de Bowie, un dato no menor) no resulta nada extraño. Con 2001 Una odisea en el espacio como modelo (salvando los años luz de distancia) firma una película científicamente discutible pero tan fría y absorbente como 2001, consiguiendo plasmar esa misma sobriedad, esa intimidad en el desarrollo del relato, dejando a un lado los efectos especiales y los artificios propios del género.



Aquí Sam Rockwell sostiene toda la película. Él es un envidado a la Luna para extraer energía limpia. Su contrato por tres años está cerca de terminar, sin embargo, un accidente lo cambia todo. Rockwell es capaz de hacer verosímil lo insólito, doblando su esfuerzo en el juego que propone el guión. Hay mucha soledad en el espacio, ¿quién querría sacrificarse tanto? Como canta papá, “Space oddity”.

Reexaminando a... Sidney Lumet (In memoriam)

Antes que el diablo sepa que has muerto (*****)
de Sydney Lumet y Kelly Masterson

Lumet deja como testamento cinematográfico una película a la altura de su debut (Doce hombres sin piedad) y eso ya es decir. Habla muy bien de un director capaz de mantener un estilo único a lo largo de su trayectoria.

Antes que el diablo sepa que has muerto es un thriller negro en toda regla. Lumet la desarrolla y estructura como un director renovador (Tarantino, P.T. Anderson, Nolan) con saltos en el tiempo, con enfoques distintos, con una escena inicial y final que marcan todo su desarrollo.



“Dios, nunca había visto esto antes” dice Philip Seymor Hoffman sobre el guión, y no es de extrañar. Lumet convierte la película en una obsesión, en un sufrimiento continuo. Ethan Hawke y el propio Hoffman son dos hermanos que parecen ver que la única forma de salir adelante en sus vidas es la del atraco a la joyería de sus padres. Será algo limpio y seguro, pero todo lo que puede salir mal, va a salir mal. Es la familia, las obligaciones de un mundo que parece estrangular a los más débiles de espíritu. Y estos hermanos lo son, claro que lo son.

Dice Alberto Bermejo “Lumet demuestra cómo se puede manejar una alambicada intriga fatalista y unos personajes indeseables, al borde de lo siniestro, con el pulso firme del clasicismo, sin necesidad de florituras ni artificios.” Ojalá pasemos media hora en el cielo, ojalá, porque muchos, después, nos vamos a pudrir en el infierno.

Reexaminando a... Sidney Lumet (In memoriam)

Punto límite (***)
de Sidney Lumet y Walter Bernstein

Punto límite es el reverso dramático de ¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú. Aquello de “Dimitri, no te lo vas a creer” no surge ni por asomo en la película de Lumet. La comicidad desaparece, pero el punto de partida es exactamente el mismo: en plena guerra fría, unos aviones del ejército norteamericano han recibido la instrucción (por error) de atacar a los soviéticos provocando una hecatombe mundial si se llega a cumplir.

Tratar de evitarlo será el objetivo del presidente de los Estados Unidos. En la película de Kubrick era un memorable Peter Sellers. En la de Lumet el sensacional Henry Fonda, que en las mejores secuencias de la película mantiene conversaciones telefónicas con el presidente ruso tratando de salvar una situación insostenible. Es curioso cómo dos argumentos tan parecidos den lugar a dos películas tan dispares.



Porque aunque Punto límite tiene un argumento muy trillado y parte de bases ya analizadas, Lumet consigue mantener cierta equidistancia, sabe articular un discurso frío y nada patriótico y, lo que es mejor, sabe imprimir una tensión constante a lo largo del filme, horrorizándote por la posibilidad de que ocurra. La escena final bien vale su visionado. Dimitri, ¿ya han llegado?

Musicineando - Nacho Vegas & Jonás Trueba

Las canciones de Nacho Vegas son muy cinematográficas. Es una perfecta banda sonora de cualquier historia de amor o desamor. Jonás Trueba lo sabe y utiliza La gran broma final como excusa para desarrollar todas sus filias cinematográficas. Una de las canciones del año. El mejor vídeo del año.

Reexaminando a... Elizabeth Taylor (In memoriam)

La senda de los elefantes (***)

de William Dieterle y John Lee Mahin

Cuando los elefantes sueñan con Elizabeth Taylor. La senda de los elefantes es una de aventuras al estilo clásico, al estilo Mogambo o La reina de África, pero sin llegar a trascender mucho más allá de la desesperación de la Taylor ante un mundo que le es ajeno, ante una soledad y un desasosiego apabullante, donde su matrimonio no es lo que esperaba.

La esperanza toma forma de Dana Andrews, que le descubre que aún hay posibilidad, aun cuando uno ya no la espera. Y a todo esto los elefantes que se rebelan ante la invasión del hombre, que todo cree dominar, como la Taylor se rebela, ante la monotonía de un día tras otro en la nada más absoluta. Los elefantes al rescate. Los elefantes la salvaron del infierno.

Reexaminando a... Elizabeth Taylor (In memoriam)

Reflejos en un ojo dorado (*****)

de John Huston, Gladys Hill, Chapman Mortimer y Francis Ford Coppola

Pocos personajes tan fascinantes como el de Marlon Brando en Reflejos en un ojo dorado, un comandante del ejército felizmente casado con Elizabeth Taylor. ¿Felizmente casado? Parece que la Taylor atrae los matrimonios turbulentos (tanto en la realidad como en la ficción) como en La gata sobre el tejado de zinc o Quién teme a Virginia Woolf.

Pero aquí es menos evidente el conflicto, la sordidez se esconde bajo capas y capas de pose y apariencias. Porque la Taylor, insatisfecha de un Brando dócil, tiene un romance con el Coronel Morris, que a su vez tiene una esposa algo desequilibrada. Y en esto que aparece un soldado a cargo de Brando que realizará trabajos en su casa. Lo que por argumento puede ser una historia de lo más convencional, un culebrón sin sentido; se convierte en un extraño universo amoroso, de todo menos esperado, constituyendo una de las historias de amor más trágicas, de las más brillantes de la historia del cine, renovando sus cánones.

Reexminando a... Elisabeth Taylor (In memoriam)

¿Quién teme a Virginia Woolf? (***)
de Mike Nichols y Ernest Lehman

"Yo le temo, yo le temo." Elizabeth Taylor teme a la muerte, a la frustración de una vida que no es lo que esperaba, a un hijo que pudo haber sido, a ese Richard Burton que le atormenta y al que atormenta igualmente. ¿Quién teme a Virginia Woolf? es excesiva, en el lenguaje, en la sobreactuación de esos dos matrimonios enfrentados en una noche eterna de borrachera.



Es un duelo encontrado donde Burton, igualmente borracho (en su salsa) se encuentra lo suficientemente controlado como para llevarle la contraria con un supuesto sosiego, con un halo de superioridad. La misma con la que le responde Taylor, pero más directa, más descarnada, más humillante. Como contrapunto, el joven matrimonio que asiste, primero como espectador, y luego como parte fundamental de un derrumbamiento.

Reexaminando a... Manuel Martín Cuenca (Estreno de La mitad de Óscar)

La flaqueza del bolchevique (*****)
de Manuel Martín Cuenca y Lorenzo Silva

Imagina un día cualquiera, o mejor, una mañana de lunes, cuando el alma llega a los tobillos y cuesta tanto avanzar. Camino del trabajo, para el puteo diario, encerrado en el coche que ahoga tus posibilidades, con Extremoduro de fondo, como banda sonora improvisada de este desperdicio.

Pero, definitivamente, la casualidad quiso que no fuera un lunes más. Y parece que la vida adquiere otra velocidad, y el mundo es vertiginoso, y aparece ella sin pretenderlo. No hubo planificaciones, ni listas de boda, ni peticiones de mano. No hubo nada organizado, sólo, apareció María Valverde tan de repente en nuestras vidas.



La flaqueza del bolchevique juega a eso, a un mundo de casualidades, para lo bueno y para lo malo. Y Tosar se encuentra en medio de toda esa vorágine, entre sus deseos y el porvenir, entre anhelar lo prohibido y odiar lo presente. Difícil decisión.

Series - Criticando, siempre criticando

The Pacific (*****)
de T. Hanks, S. Spielberg, G. Goetzman y B.C. McKenna.

The Pacific nació como una especie de continuación de Hermanos de Sangre pero con el tiempo se merece una catalogación por sí misma, por convertirse en una miniserie referente. The Pacific se centra en la versión oriental de la II Guerra Mundial, en las batallas de EE.UU. contra los japoneses en esas islas donde hay muy poco terreno que ganar y mucho que perder.

Mucho se perdió entre la lluvia, entre la selva y la noche que parecía un enemigo mayor que el ataque sorpresa. En esas estaban los tres protagonistas: John Basilone, que por su actuación en Guadalcanal fue condecorado y llevado a EE.UU. para la promoción y financiación de la guerra (al estilo Banderas de nuestros padres de Eastwood). Eugene Sledge, que por unos problemas de corazón se incorpora a la guerra ya comenzada pero que permanecerá hasta el final, hasta cuando la victoria deja de tener sentido. Y Robert Leckie, en la que se centra el comienzo de la historia, cuando las esperanzas aún no estaban podridas.



Más allá de estos tres personajes, otros tantos con la misma historia de superación, de noche tras noche, de batalla tras batalla, muchos anónimos que cayeron en las mismas playas y que allí permanecen como nueva tierra. Hay mucho dolor en The Pacific, más que físico, sustancial, hay mucha frustración por la incomprensión de toda guerra, donde todo el mundo es capaz de hacer de todo, incluso matar. Aquí no hay buenos ni malos. En ninguna guerra los hay. Hay gente que muere, y poco más.

Musicineando - Gorillaz & Bruce Willis

No me gusta Bruce Willis, ni tampoco me gusta demasiado Gorillaz (al menos esta Stylo no es de mis preferidas), pero una colaboración entre ambos, Gorillaz con sus personajes y Bruce Willis siendo el tipo duro de siempre, merece ser revisitado.

Criticando, siempre criticando

Pan negro (***)

de Agustí Villaronga

Una manera excesivamente simplista de resumir la película sería impresionante comienzo e impresionante final, entre medias, una historia irregularmente contada. Es un resumen muy básico y probablemente injusto, pero es lo que mejor se asemeja.


Porque lo mejor de Pan negro está en sus extremos, y eso hace que con el paso del tiempo el recuerdo se vaya haciendo más grato. Recuerdas la majestuosidad de su comienzo, la frialdad de su final. Y, en general, destaca su puesta en escena, la dirección, las interpretaciones. Pero lo peor es el desarrollo de la historia, lo desdibujado de algunos personajes fundamentales, las incongruencias de un relato con buenas intenciones, pero mal hilvanado.

Este pan negro es denso, doloroso, tenso por fuera, pero la miga se ablanda, la miga deja poco sabor.

Reexaminando a... Mejor guión original, guión adaptado y director

Darren Aronofsky, por Cisne negro (director): Aronofsky resurgió con El luchador tras el fracaso de La fuente de la vida. Historia de un perdedor.

David Fincher (director), por La red social: Es el mejor director de esta era. Sus dos anteriores películas, Zodiac y El curioso caso de Benjamin Button, así lo demuestran. Escena final de Benjamin Button que se basa en un relato corto del gran Scottie.



Joel Coen, Ethan Coen, (director/guión adaptado) por Valor de ley: Podría elegir cualquier película de los Coen, pero la mejor, mejor de todas es Barton Fink, memorable.



Christopher Nolan (guión original), por Origen: Este hombre es incapaz de hacer una película simple. Memento nos lo descubrió. Obra maestra.

Aaron Sorkin (guión adaptado), por La red social: Recientemente escribió para cine La guerra de Charlie Wilson, pero en la TV es Dios, o casi: Studio 60, Sports night y sobre todo El ala oeste de la Casa Blanca, el presidente que todos queremos tener.

Danny Boyle & Simon Beaufoy (guión adaptado), por 127 horas: Sí señor, Boyle fue excesivamente reconocido por Slumdog Millionaire hace dos años.

Michael Arndt (guión adaptado), por Toy story 3: Ya tiene un oscar por aquel extraño (y maravilloso) viaje hacia Pequeña miss Sunshine.

Reexaminando a... Nominados a mejor actor

Javier Bardem, por Biutiful: Ganó el oscar con No es país para viejos, pero su primera nominación tiene muchos vínculos con Biutiful: Antes que anochezca, interpretación en castellano, sublime, exagerada, película algo irregular, nominación al canto.

Jeff Bridges, por Valor de ley: Siempre será El nota, El gran Lebowski, precisamente con los Coen.



Jesse Eisenberg, por La red social: Últimamente de moda con Adventureland (fascinante retrato de los 80) o Zombieland (terroríficamente divertida), pero su primer gran trabajo fue en Una historia de Brooklyn (The squid and the whale) donde lee a Scott Fitzgerald y canta hey jou.



James Franco, por 127 horas: Franco es Harry Osborn en la saga (ya antigua) de Spiderman.

Colin Firth, por El discurso del rey: El año anterior estuvo nominado por Un hombre soltero, pero me encanta ese silencioso misterio de su interpretación de Vermeer en La joven de la perla. Cuando la joven es Scarlett...

Reexaminando... Nominadas a mejor actriz

Annette Bening, por Los chicos están bien: Qué cruel era con Kevin Spacey en American beauty, en esa familia perfectamente infeliz.

Nicole Kidman, por Rabbit hole: No es de mis actrices preferidas, pero estaba sencillamente bien en Las horas.


Jennifer Lawrence, por Winter´s bone: No tengo el gusto de conocerla.

Natalie Portman, por El cisne negro: Si Natalie Portman se te acerca y te dice que The shins van a cambiar tu vida, lo hará, y para siempre. Fantástica en Algo en común (Garden state).




Michelle Williams, por Blue Valentine: En Brokeback Mountain era Alma, la sufrida mujer de Heath Ledger.

Reexaminando a... Mejor actor de reparto

Christian Bale, por The fighter: Está en cualquier película interesante de los últimos años, pero revisito El maquinista, donde también tuvo que adelgazar hasta el extremo de apenas existir.

John Hawkes, por Winter´s bone: Aunque sale en una de mis series preferidas (Deadwood), revisito Tú, yo y todos los demás, está fascinante peli de Miranda July, que acaba de estrenar en Berlín su segunda película.

Jeremy Renner, por The town: Revisitando En tierra hostil, gran triunfadora del año pasado (incompresiblemente, no es que sea gran cosa) donde lo mejor quizás sea su interpretación en una gran peli de acción sin alma.



Mark Ruffalo, por Los chicos están bien: Uno de mis actores preferidos, destaca en Shutter Island, en la que era el "ayudante" de Di Caprio en esa extraña investigación sobre la fuga de una interna.

Geoffrey Rush, por El discurso del Rey: Pero por muchas películas que haga, para nosotros siempre será el pianista loco de Shine.

Reexaminando a... Nominadas a mejor actriz de reparto

Amy Adams, por The fighter: Amy Adams fue por primera vez nominada a un Oscar por esa magnífica rareza que era Junebug, pero me encanta esa chica enamorada de Di Caprio en Atrápame si puedes.


Helena Boham Carter, por El discurso del Rey: Podría recuperar cualquier película junto a Tim Burton, pero qué mejor que la escena final de El club de la lucha.



Melissa Leo, por The fighter: Melissa Leo estuvo recientemente nominada por Frozen river, pero para mí siempre será la abogada esposa de John Goodman en la serie Treme.

Hailee Steinfeld, por Valor de ley y Jacki Weaver, por Animal Kingdom: No tengo nada que reexaminar. Para la primera es su primera película. La segunda ha desarrollado su carrera en Australia y no tengo el placer de conocerla.

Series - Criticando, siempre criticando

The walking dead (***)
de Frank Darabont

The walking dead sabe ser original cuando su propio planteamiento es de todo menos original. El fin del mundo (La carretera, por poner un ejemplo reciente), lleno de zombies (desde George A. Romero hasta Bienvenidos a Zombieland) donde un grupo de individuos tratan de sobrevivir en comunidad (Lost). Quizás sea esta última la mayor referencia, o la más cercana.



The walking dead es trascendente más allá de las peleas, disparos o más allá de la sangre que salpica. Vivir en comunidad parece aún más complicado que sobrevivir a los zombies. Así que se centra más en lo primero que en la violencia. Ésa puede ser su gran baza, pero las discusiones morales quedan esbozadas, a veces, de manera muy gruesa, sin demasiada hondura en unos personajes, por otro lado, muy potentes. Pero Darabont, cuando deja de ponerse romántico y ñoño, cuando no rechaza la pelea, maravilla con la tensión y las imágenes apocalípticas.

Todos nos odiamos, sí, pero no queda otra que sobrevivir.

Series - Criticando, siempre criticando

Museo coconut (****)
de Ernesto Sevilla, Joaquín Reyes, Raúl Cimas y Miguel Esteban

Museo coconut es la primera serie de corte clásico de los chicos de La hora chanante y Muchachada nui. De corte clásico en principio, sólo en principio, porque lo que menos importa es la trama clásica de toda serie, la línea argumental (alguna hay) está al servicio del sketch, así que, partiendo de una base distinta, ya no es tan diferente a sus predecesoras.



El sketch como motor pero con la limitación de tener unos personajes y lugares cerrados, pero lo suficientemente excéntricos como para dar el suficiente juego para el humor chanante. El personaje de Rosario, por ejemplo, quizás sea lo más conseguido, aunque todos están a una gran altura (Raúl Cimas es un inmenso actor).



Hay otro punto de libertad en la serie, y es la animación Maricón y tontico, obra maestra del subgénero en la que tan bien se maneja Reyes (Enjuto mojamuto, La cinta VHS, Montgomery y Clift…). Y un último factor, los cameos, los hay y muy buenos, especialmente el de Arturo Valls y Santi Capote en la entrevista de trabajo, o Kira Miró y sus problemas de baño. Chanantes del mundo, ésta es vuestra serie.

Reexaminando a... Danny Boyle (Estreno de 127 horas)

Slumdog millionaire (***)
de Danny Boyle, Loveleen Tandan y Simon Beaufoy

Ciudad de dios. Sé que es un tópico, pero es lo primero que viene a la mente tras ver Slumdog millionaire: La miseria en la ciudad, las oportunidades que surgen por el lado perverso de la vida, la vida sin posibilidad de elección, el amor a lo largo del tiempo, el dolor de la desesperanza.

Slumdog millionaire es una historia de superación a base de preguntas y respuestas, con algunas trampas (muchas) en un guión que juega con la sensibilidad del espectador. Boyle lo aprovecha al máximo y pone su maestría al servicio de la película, con los saltos en el tiempo y con la ciudad como triste proagonista, como él mismo dice “Bombay es la clave, es una ciudad tan intensa, con una pobreza extrema pero también llena de vida.”

Criticando, siempre criticando

Modern family (****)
de Steven Levitan y Christopher Lloyd

Modern family es la versión familiar de The office. Lo mejor es que no lo niega, no trata de esconder que realmente es una traslación de la oficina a la casa. Y no sólo es por el empleo del falso documental y sus miradas a cámara, es por el tipo de humor que emplea, el del bochorno, el de la vergüenza ajena ante esas situaciones extremas.

Al principio choca esa sensación, pero luego la serie va imponiendo su propio estilo en esa familia de familias, de tres familias: la pareja homosexual con una niña recién adoptada, la hermana de uno de ellos felizmente casada con el Michael Scott de la serie y, por último, el padre casado con una mujer colombiana más joven que él y con un niño intelectualmente inquieto.

Parte de esa variedad supuestamente a contracorriente para luego convertirse en una sitcom más, con su parte de moralina, que no podía faltar, pero con la suficiente mala leche como para destacar, con una comicidad asegurada a base de situaciones bochornosas.

Criticando, siempre criticando

Biutiful (***)
de Alejandro Gléz. Iñárritu, Armando Bo y Nicolás Giacobone

Iñárritu extrema su habitual discurso basado en el dolor y la frustración, por primera vez si Arriaga y por primera vez ambientada en España (tras haber analizado las miserias humanas en México, Estados Unidos, Marruecos o Japón) y más concretamente en una Barcelona anti-postal, alejada de los estereotipos, una antítesis, como ya se ha dicho, de la Barcelona de Woody Allen en Vicky, Cristina, Barcelona, también con el propio Bardem. Ahora Bardem se mueve en lo peor de Barcelona, en lo peor de cualquier ciudad, no por las personas que las habita, sino por las necesidades que pasan.



Bardem es un padre de familia al cuidado de sus dos hijos con una ex mujer y un hermano que viven más al límite que él, rodeado de todo un mundo multirracial en el que todo el mundo trata de ganarse la vida como buenamente puede. Entonces aparece Bardem como nexo de unión de todos ellos, como una especie de salvador o como un aprovechado más.

Bardem entre ellos y sobre todos, sosteniendo la película por encima de los excesos de Iñárritu, que parece recrearse en el dolor, denunciándolo pero haciendo de ello un espectáculo. Aún así, logra exprimir los sentimientos al máximo, dejando que la vida muestre su visión más amplia, y uno tome conciencia, a golpe de efecto, que la vida va más allá del día a día, la vida está en esas calles recónditas donde la supervivencia es la primera misión.

Reexaminando a... Clint Eastwood y Matt Damon (Estreno de Más allá de la vida)

Invictus (***)

de Clint Eastwood y Anthony Peckman

Mandela es indudablemente una de las figuras clave del siglo XX, así que no es de extrañar que se convierta en un icono, y en eso el cine juega un papel importante. Eastwood se acerca a Mandela a través del mundial de Rugby ganado en 1995 y su utilización como instrumento de unión de un pueblo claramente dividido adaptando el libro de John Carlin (El factor humano).




Eastwood es fiel a la narración, nada se sale de su tempo. La recreación deportiva es sorprendentemente veraz, aunque en la carga política es equidistante, quizás le falte pasión, como si no sintiera la historia como propia, como si fuera una historia más, y no lo es, Invictus representa una hermosa oportunidad de un país.

Mención aparte merece Morgan Freeman en el papel de Nelson Mandela, o Nelson Mandela es Morgan Freeman, uno ya no sabe. Pero su interpretación va más allá del aspecto físico, son sus expresiones, sus emociones, su dignidad manejando la oportunidad de un país de salir a flote.

Musicineando - Paul McCartney & Natalie Portman

Como aún no se ha estrenado la película de Aronofsky con la que ha ganado el Globo de oro, buen momento para recordar a Natalie Portman bailando para Paul McCartney en Dance tonight.

Musicineando - Arcade Fire & Spike Jonze: The suburbs

Spike Jonze se mueve del cine al video musical sin problema alguno, cosa que mezcla en The suburbs, clip para Arcade Fire que procede de un corto rodado expresamente para el disco llamado "Scenes from The suburbs"

Reexaminando a... Borja Cobeaga (Estreno de No controles)

Pagafantas (****)
de Borja Cobeaga y Diego San José

Pocas comedias españolas han supuesto un verdadero soplo de aire fresco en nuestro cine como el debut de Borja Cobeaga con Pagafantas. Alejado por completo de las nuevas españoladas que abusan de la cara conocida y el superfluo modo de ser, Cobeaga se centra en los modos formales de la comedia. Está claro que no inventa nada cuando apuesta por la repetición de situaciones (Bunbury), los contrastes, o por el personaje eternamente perdedor en una especie de Woody Allen vasco que tan bien encarna Gorka Otxoa.



El guión es todo lo perfecto que se puede pedir a un primer largometraje, con algún cabo suelto, pero con los toques chanantes propios de su generación, con unos personajes perfectamente diseñados y unos actores que destacan por no destacar, por haber nacido para el papel que son y no parecen representar. Cobeaga, Vigalondo, Chapero-Jackson... en vosotros confiamos

REGALA... Miguel Hernández

1.- Miguel Hernández, 25 poemas ilustrados - ver


2.- Antología poética Miguel Hernández, editorial Austral - ver

3.- Hijo de la luz y de la sombra, disco de Joan Manuel Serrat - ver


4.- Miguel Hernández, disco de Joan Manuel Serrat - ver

5.- Homenaje flamenco a Miguel Hernández, de Enrique Morente - ver

6.- Miguel Hernández, viento del pueblo, serie de TVE - ver

REGALA... The wire.

1.- Pack The wire, serie completa (5 temporadas) - ver

2.- B.S.O. The wire - ver

3.- Homicidio, libro de David Simon, creador de la serie - ver

4.- Sin retorno, novela de George Pelecanos, guionista de la serie - ver

5.- La vida fácil, novela de Richard Price, guionista de la serie - ver

6.- Libro The wire, de varios autores, en castellano (2010) - ver

7.- Camiseta The wire logo naranja - ver

8.- Póster The wire - ver

9.- Tazas The wire - ver

REGALA... Mad Men y su universo

1.- Pack Mad Men: DVD pack temporadas 1 a 3, fnac, 99€ - ver

2.- Mad Men. Reyes de la Avenida Madison: Libro de Jesús G. Requena y Concepción Cascajosa. 21€.

3.- Mad Men. The illustrated world: Libro de Dyna Moe, 15€ - ver

4.- Mad Men. B.S.O.: 13,50 € - ver

5.- Sterling´s gold: La biografía de Roger Sterling - ver

6.- Conoce el universo Mad Men:
- Conviértete en un personaje de Mad Men - ver
- Cómo Mad Men influye en la publiciada actual, o cómo se utiliza el estilo de los anuncios antiguos a nuevos productos:
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Reexaminando a... Blake Edwards (In memoriam)

La pantera rosa (***)
de Blake Edwards y Maurice Richlin

La Pantera rosa narra la investigación sobre una joya perseguida por ladrones y princesas donde lo que menos importa es la investigación, la trama pasa a un segundo lugar para dar mayor peso a la comedia de situación, a la caricatura de personajes y, por supuesto, a Peter Sellers en la recreación de un inspector Clouseau como el rastreador patoso, torpe y engañado.



Peter Sellers es el actor cómico idóneo para la comedia física, a la altura de los grandes, y de la unión con Blake Edwards (aunque finalmente no se llevaran bien) surgió la gran pareja cómica al nivel de Wilder-Lemmon.

La pantera rosa no es mucho más que eso, situaciones y humor, qué menos, pero también fue el origen de este tipo de humor tan mal copiado últimamente.

Reexaminando a... Blake Edwards (In memoriam)

El guateque (***)
de Blake Edwards, Tom Waldmany Frank Waldman

El guateque es el mejor ejemplo de humor físico heredado de las comedias de Charlot o Buster Keaton, con Tati de por medio, o de la propia Pantera rosa, del mismo Edwards con Sellers. Humor que pocas veces más pudo obtener un resultado redondo como éste y que tan mal imitado es constantemente.



Quizás el factor determinante sea Peter Sellers, capaz de sostener toda una película sobre sus espaldas sin apenas argumento destacable, salvo la del actor patoso invitado al gran guateque en Hollywood haciendo de las suyas constantemente. A él le ayuda un guión liviano, una dirección sencilla pero efectiva y la música de Mancini.

Reexaminando a Glez. Iñárritu (Estreno de Biutiful)

Babel (****)

de Alejandro Glez. Iñárritu y Guillermo Arriaga

Babel es la última colaboración del dúo Iñárritu-Arriaga y contiene gran parte de elementos comunes con sus antecesoras (Amores perros, 21 gramos): estructura narrativa, saltos en el tiempo, personajes al límite, historias que se unen... formando una especie de trilogía, aunque Babel tenga mucho más que ver con el guión que Arriaga entregó a Tommy Lee Jones en Los tres entierros de Melquíades Estrada, con esa frontera perdida, olvidada entre dos mundos tan cercanos pero diferentes.


Babel cuenta la unión existente entre varios personajes en tres continentes distintos: unos chicos en Marruecos juegan con un rifle, unos turistas americanos son alcanzados, y con ellos su familia allá a lo lejos en Estados Unidos perdidos en una frontera con el mundo desolado, mientras en Japón, el remordimiento llega al origen de todo.




Babel es una estrucutra tremendamente compleja que en manos de Iñárritu y Arriaga es solventada de manera magistral, con unas interpretaciones solventes y un paisaje desolador a la altura de la historia.

Chicas malas - Baby Jane

Baby Jane no es la típica mujer fatal del cine negro de Hollywood, sencillamente porque Qué fue de Baby Jane no es cine negro, es puro terror, y Bette Davis es un auténtico monstruo destructivo. "Se necesitan agallas para hacer daño a alguien. Esta mujer está llena de odio" dijo ella misma sobre su papel.

Dos hermanas viven retiradas. Una (Davis), estrella infantil defenestrada en su madurez, y su hermana (Joan Crawford), auténtica estrella en los momentos más duros de la otra, hasta que un accidente la retira también. La rivvalidad de sus personajes transcendió a sus vidas, auqnue esa rivalidad ya existía de antes.

"Si éste no es el mejor guión que has leído nunca, no vengas a verme" le dijo Robert Aldrich a Bette Davis. Pero sí pareció ser el mejor papel que había tenido y aceptó ser la mala (en apariencia) de la película, la que mortifica a su hermana paralítica despreciándola cada segundo de existencia. Un monstruo absolutamente abominable.

Reexaminando a... Dino de Laurentiis (In memorian)

La strada (****)
de Federico Fellini y Tullio Pinelli

El mundo del espectáculo en la calle. El circo en la calle. Vivir en la calle. La Strada es un fantástico retrato del anonimato, de la soledad del artista, del humillado que vive por y para eso, del dependiente que lo necesita constantemente.




Zampanó y Gelsomina (Quinn y Masina) recorren Italia en busca de algo más importante que la fama: sobrevivir a un mundo injusto con los que hacen reír, en un mundo que es ajeno al arte si está en juego la supervivencia.


La brutalidad de Zampanó y la fragilidad de Gelsomina, dos mundos alejados que se tocan, que se necesitan mutuamente para superar cada día como una prueba de supervivencia.

Reexaminando a... Eva al desnudo (60 años de su estreno)

Eva al desnudo (****)
de Joseph L. Mankiewicz

Eva cumple 60 años. Esta terrible descripción del mundo teatral, de las miserias y ambiciones de las actrices (y actores) con ansias de poder, del triunfo sobre cualquier cosa se mantiene vigente en un mundo que se ha basado en eso precisamente. Ganar a costa de cualquier cosa.

Bette Davis interpreta a Margo Channing o a ella misma fuera de las pantallas. Como se dice al comienzo "Una estrella de la escena. Actuó por primera vez a los 4 años en El sueño de una noche de verano. Hacía de hada y apareció completamente desnuda. Desde entonces ha sido una estrella. Margo es una gran actriz, una verdadera actriz. Nunca quiso ser más y nada menos”



Tras este comienzo de la descripción de Margo, Mankiewicz recurre a los flashbacks para la narración, mostrando ese contraste entre lo que fue y lo que es. Esa comparación sirve para comprender en lo que puede convertirse alguien que lo fue todo, recuperando Qué fue de baby Jane esta misma idea con la misma Bette. La película logó 6 Oscar: película, guión, actor secundario, vestuario y sonido compitiendo cono una obra maestrea siamesa de lo que fue y lo que fuimos: El crepúsculo de los Dioses de Wilder.

“Has estado muy bien Eva, pero yo no me preocuparía mucho por el corazón, porque siempre puedes poner ese trofeo en su lugar”

Reexaminando a... Déjame entrar (Estreno de su remake)

Déjame entrar (****)
de Tomas Alfredson y John Ajvide Lindqvist

¿Qué hacer si has de vivir para siempre en los 12 años? ¿Qué hacer si para sobrevivir necesitas de la muerte de los demás? ¿Existe lugar para la esperanza? Eli la encuentra en Oskar y Oskar la encuentra en Eli. Porque Oskar también sufre en ese mundo tan hostil de los mortales, en la adolescencia más sufrida.

Déjame entrar es una desasosegante reflexión sobre la crueldad, la de los vivos y la de los muertos, la de los que viven de sangre de los demás, ya sean vampiros o no. La historia se cimienta sobre ese pilar, una nueva historia de vampiros, pero ése sólo es el punto de partida y el sustento de algunas escenas memorables. A partir de ahí, la amistad prevalece sobre todo, incluso sobre la moral.

Musicineando - Lori Meyers & Félix Viscarret

Lori Meyers parece la banda de moda, tanto para bien (una de las más seguidas) como para mal (polémica con su último disco, para mí genial). Esto es Luces de neón, una de sus mejores canciones del anterior disco de la banda (Cronolánea) de 2008. Dirige Félix Viscarret, que con su ópera prima, Bajo las estrellas, ganó en el Festival de Málaga y logró el Goya al mejor guión adaptado.

Series - Criticando, siempre criticando

Mad Men [3ª temp.] (*****)

de Matthew Weiner

¿Qué se puede decir a estas alturas de Mad Men que no se haya dicho ya? Pues que es la mejor serie de su época, que es tremendamente sutil, que está fantásticamente dirigida y ambientada, que tiene unos personajes fascinantes aparentemente perfectos por fuera y potencialmente horrendos por dentro. Quizás sea esa doble moral que caracteriza al ser humano, y que la serie refleja tan bien, lo que la haga tan especial.



De la tercera temporada, destaca un hecho factible: El capítulo 13: Cierra la puerta, siéntate puede que sea el mejor capítulo de una serie jamás escrito. Esa reconstrucción de la agencia desde cero o casi cero, esos 40 minutos de descubrir una nueva oportunidad, un nuevo mundo, una nueva empresa es auténticamente fascinante. Gracias Matthew Weiner.

Reexaminando a... Aaron Sorkin (Estreno de La red social)

La guerra de Charlie Wilson (***)

de Mike Nichols y Aaron Sorkin

Ningún material real vino tan a la mano para Sorkin (obsesionado con la política norteamericana) y Nichols (obsesionado con la comedia sarcástica). Y la vida de Charlie Wilson parece perfecta para ambos. Este congresista (Tom Hanks) juerguista y mujeriego ve la oportunidad de complacer a una bella dama tejana (Julia Roberts) en su batalla en contra de los soviéticos en Afganistán. A partir de ahí se genera una operación secreta para armar a los muyahidines afganos y lograr así su expulsión.

Con la ayuda de un agente de la CIA (impecable como siempre Philip Seymor Hoffman), la política de altos vuelos queda vituperada por los más depravados instintos. Toda racionalidad queda fuera de la reflexión, dejando ver la suciedad que aflora en cualquier hecho político, ya sea de los 80 en plena guerra fría, o en la actualidad. Los diálogos made in Sorkin son siempre brillantes, aunque le falte a la historia algo de empuje para rematarla como una película genial. No lo es, pero nos hace descubrir todas las miserias de EE.UU.

Reexaminando a... David Fincher (Estreno de La red social)

El curioso caso de Benjamin Button (*****)
de David Fincher y Eric Roth

Ésta es toda la vida de Benjamin Button y toda la historia de un pueblo. Al estilo Forrest Gump (de la mano de su guionista, Eric Roth) pero con menos peso histórico, y con el hecho original del relato de Fitzgerald: vivir al revés.



Esa anécdota, magistralmente salvada por la técnica y por un Brad Pitt supremo, sirve a sus autores para hacer una cruda reflexión sobre el paso del tiempo, el dolor de las oportunidades perdidas, el distanciamiento como forma de ser. No deja de ser un tratado, un ensayo encuebierto bajo la forma de historia de amor como único guiño a un público que asiste irremediablemente a la llegada de la muerte.

Reexaminando a... Tony Curtis (In memoriam)

Con faldas y a lo loco (*****)
de Billy Wilder y I.A.L. Diamond

En el olimpo de las comedias están las de Wilder, su maestro Lubitsch y el alumno Allen. Y de entre todas, ésta podría ser la mejor, la más pura, la más comedia de todas las comedias. Más desinhibida que ninguna otra, Wilder narra la huida de esos dos músicos simplones que tras presenciar un ajuste de cuentas y ser descubiertos por la mafia, se camuflan como mujeres para poder trabajar en una banda femenina.



Allí les da cobijo Marilyn en su seno, una Marilyn perfecta, alcanzando su papel más redondo. Curtis se enamora al instante y se duplica inventando un papel de millonario para enamorarla, mientras que Lemmon trata de esacapar de un verdadero millonario que le ve la mujer perfecta.

Con uno de los finales más recordados de la historia del cine, Wilder logra lo imposible, divertir en todo momento, hacernos pasar un rato inigualable. Alguien es perfecto. Y es Billy Wilder.

Reexaminando a... Orson Welles (25 años de su muerte)

Ciudadano Kane (*****)
de Orson Welles

Considerada por la gran mayoría de críticos (que no de público) como la obra maestra del cine, verdaderamente lo es más por lo formal que por su contenido. Es un símbolo del cine por la renovación que supuso, por ese desarrollo técnico, por esa fama que ya traía Orson Welles, por ser su primera película.



La historia del gran hombre americano queda desmantelada a lo largo de la película a través de una sola palabra: Rosebud, pronunciada por el magnate Charles Foster Kane en su lecho de muerte. Ése es el motor, el origen para adentrarnos en su vida, para destripar todas sus artimañas, para tirar al suelo el sueño americano.

El desarrollo del proyecto también tiene su intrahistoria, acrecentando así la épica del filme. Randolph Hearst, el hombre en el que se inspira Welles para dar vida a su protagonista, trata de evitar por todos los medios el estreno, hecho que queda recogido en la notable RKO 281: La batalla sobre ciudadano Kane.

Afirma Woody Allen: "¿Qué es Ciudadano Kane? Pauline Kaella llamó una obra maestra banal. Uno ve la historia del ascenso al poder de un magnate y le podrá gustar más o menos. Pero el arte con el se cuenta Ciudadano Kane hace que esa misma historia pase de ser simplemente una especie de biografía llena de glamour a convertirse en toda una obra maestra. "

Estamos ante un punto culminante de la historia del cine. Podrá ser la mejor o no, podrá aburrir a algunos, pero es innegociable que Ciudadano Kane es cine en estado puro.

Reexaminando a... Arthur Penn (In memoriam)

El zurdo (***)
de Arthur Penn y Leslie Stevens

¿Paul Newman, Billy el niño? Sí señor, Arthur Penn es capaz de convertir al deseado por todas (y todos) en el legendario William Bonney. Las andanzas del mítico forajido quedan representadas desde un prisma romático, el héroe y no el asesino, el idolatrado y no el perseguido.



Como siempre, Penn innova, tratando de alejarse de otros westerns y otras historias sobre Billy el niño. Fue su primer trabajo para la gran pantalla, y no fue un éxito, aunque con el tiempo ha sido mejor considerada. Aunque es verdad que no es su mejor película (La jauría humana, Bonnie & Clyde) ya dejó señas de su personalidad.

Reexaminando a... Arthur Penn (In memoriam)

Bonnie & Clyde (*****)
de Arthur Penn, Robert Benton y David Newman

Penn convierte la hsitoria de Bonnie Parker y Clyde Barrow en un mito, encarnados a la vez por mitos, por un siempre atractivo Warren Beatty y la sensual (vaya comienzo de peli, señores) Faye Dunaway. Ellos son la pareja de ladrones que encabezan la banda más temida recorriendo el país de banco en banco. Son de estos ladrones buenos, ladrones cool tantas veces imitados a partir de entonces, pero ningunos como Warren & Faye.



Fuera del argumento, Bonnie & Clyde también marcó época. Primero por la violencia, magistralmente rodada y seguida sus cánones posteriormente. Seca, áspera como el paisaje americano, la sangre surge como necesidad de expresión. Luego, está la sensualidad hasta entonces siempre redimida, surge de la mano de la Dunaway con la que todos soñamos desde entonces (esa pistola), ocupando el podio de la época junto a la Bardot y Jane Fonda.

Reexaminando a... Arthur Penn (In memoriam)

La jaruía humana (*****)
de Arthur Penn y Lillian Hellman

Nunca la sociedad quedó tan bien (mal) retratada como en La jauría humana, donde deja bien a las claras lo que la muchedumbre puede llegar a hacer. Lo conoce bien Robert Redford, que tras escapar de la cárcel debe escapar de sus propios vecinos, al saber éstos que ha regresado tratando de ajustar viejas cuentas del pasado (más romáticas que vengativas).

Sólo el sheriff, un Marlon Brando soberbio, imponente, tratará de protegerle. Sin tener en cuenta su inocencia o culpabilidad, Brando responde a la integridad como contrapunto a la desorbitante masa que les acecha.


Lo que podemos hacer si seguimos la corriente. Y es muy fácil seguir la corriente. Es lo más fácil. Y si estamos mal liderados, nos convertimos en odio puro. Brando protegió a Redford pero ¿valió la pena? Escapemos de este pueblo infernal.

Quiero ser como... Don Draper

Don Draper es el hombre al que todas las mujeres admiran. Don Draper es el hombre al que todo hombre aspira ser. El porte, esos trajes impecables, esa mirada penetrante, esa creatividad en la publicidad, la elegancia con el vaso en la mano, el cigarro siempre preparado.



Claro que no todo es perfecto. ¿Qué esconde Don Draper? ¿Por qué ese ruido incesante de bombas al estallar? ¿Por qué esa infancia perdida en el horizonte? Pero si lo tienes todo, Don, esa Grace Kelly hecha esposa, todas las chicas te observan y te desean y tú te dejas vencer. Todos esperan tu palabra, encontrado en ellas las respuestas ante cualquier pretensión. Don Draper, todos quieren ser como tú, ¿por qué tú no quieres ser como tú?

Musicineando - Arcade fire & Terry Gilliam

Terry Gilliam sigue gafado con su proyecto de Don Quijote. Para quitarse el mal sabor de boca, dirigió a los Arcade Fire en su concierto en Nueva York en Agosto. Éste es un de sus clásicos: Keep the car running.

Reexaminando a... Woody Allen (estreno de Conocerás al hombre de tus sueños)

Si la cosa funciona (***)

de Woody Allen

Woody Allen regresa a Nueva York, y con ello parece volver a lo habitual de su cinematografía, dejando atrás el thriller (Match Point, El sueño de Cassandra), la comedia desinhibida (Scoop) y el exotismo erótico (Vicky, Cristina, Barcelona).


Vuelven las parejas y sus tribulaciones. Vuelven los paseos por esa Nueva York añorada. Larry David se convierte en un Woody muy pesimista (más aún), pero es de esos filmes de Allen que parten de la premisa pesimista para poco a poco remontar y reconciliarse con el mundo, así que la placidez del relato se ve doblemente agradecida por la placidez encontrada por los personajes.

No será fácil, nada lo es. Vuleve a incidir en la casualidad como motor para el encuentro con lo deseado. Todo lo programado, lo previsto, todo lo que teníamos pensado ser, todo lo que somos se convierte en nada cuando descubrimos algo o a alguien que nos hace ver la vida de otra manera.

La galería de personajes, como siempre, brilla: Larry David como Boris, el eje central, Evan Rachel Wood como su joven novia desamparada (como tantas otras), Patricia Clarkson (la madre de la susodicha, tradicional y conservadora hasta que conoce Boris) y así tantos otros que se dejan llevar.

Allen vuelve a acertar. Narra como pocos. Esconde lo que otros enseñarían, impone su ritmo fuera de cánones actuales. Ya lo tiene todo ganado, sólo esperando que la cosa funcione, y vaya si lo hace.

Reexaminando a ... Woody Allen (estreno de Conocerás al hombre de tus sueños)

Vicky, Cristina, Barcelona (**)

de Woody Allen

Su visita a Barcelona y Oviedo pareció cambiar los habituales pilares de Woody en su proyecto español. Se trata de un Allen exótico, alejado de su entorno (Nueva York, Londres) y de sus rutinas.




Aquí cuenta el viaje de dos chicas norteamericanas a Barcelona. Una más conservadora (Rebecca Hall) y otra más moderna, más aventurera (Scarlett Johansson). Allí conocen a un pintor (Bardem) y su ex-mujer (Cruz), convirtiendo la película en un triángulo (o cuadrado) amoroso.

Allen cambia también en la forma. La voz en off provoca una narración menos fluida de lo habitual (donde es un maestro), muy encorsetado en la historia que pretende contar, sin más concesiones al humor que algunas frases geniales.




Y como en toda película de Allen, queda la tesis final: en este caso, la pasión, la necesidad de un tercero, un ¿hasta dónde podemos llegar en una relación? Desmitificando lo que podemos llegar a pensar de nosotros mismos, donde el conservador no lo es tanto, y la moderna tampoco.

Los mejores trabajos interpretativos, los de casa, Bardem y Cruz muestran la desesperación de una relación que nunca lleva a ningún lado. De la fotografía y los paisajes (gran trabajo de Aguirresarobe) parecen querer decir constantemente Visit Spain.

Criticando, siempre criticando

Conocerás al hombre de tus sueños (***)
de Woody Allen

Otra vez Woody con sus crisis de pareja, sus situaciones pintorescas y la ciudad de fondo de la desolación. Todo es muy parecido a Si la cosa funciona (y a tantas otras), pero en este caso sería la versión negativa a la película con Larry David (algo así como si la cosa no funciona). Aquí sale todo lo mal que puede salir, y los momentos de cambio son para peor.

Woody convierte esta comedia en algo incómodo, mucho más pesimista de lo que parece, el resurgir de sus personajes a través del mundo racional les lleva a la derrota. La idea predominante es que la ilusión puede hacernos cambiar dejando de lado la visión racional. Hay que vivir de la ilusión, porque todo lo demás no es vivir, y el mundo no nos da muchas más oportunidades.


Los actores como siempre en toda película de Allen, sobresalientes. Lo mejor, la parte de Brolin, ese escritor que ve la oportunidad en la novela póstuma de una amigo recién fallecido. De lo más Alleniano. Otra más de Allen, esperamos la siguiente píldora.