Criticando, siempre criticando

Pozos de ambición (****)
de Paul Thomas Anderson.

Combate de dos horas y media entre petróleo y religión. Entre los designios de Dios y la ambición desmedida, sin una línea clara que la difiera, se entremezcla como el petróleo con la tierra en esta asfixiante, agobiante película.

Visualmente impecable, notándose de forma excepcional la mano de Anderson, musicalmente imprescindible con Jonny Greenwood (de Radiohead) con algunas secuencias espeluznantes. Fallida a veces, con altibajos tras una primera hora portentosa, destacable dentro del mejor cine hecho, la película deja un poso final importante, con una escena final controvertida.



Daniel Day Lewis contra el mundo. Contra su hijo, contra la religión (genial Paul Dano), contra toda adversidad que se cruce en su objetivo. Aferrado a ese oro negro, enganchado a esa sensación de poder, hará todo lo que pueda y más hasta la locura para ganar. La venganza se sirve bien fría.

Adiós a Rafael Azcona

El verdugo (*****)
de Luis Gª Berlanga y Rafael Azcona.

Estamos ante la gran comedia española. Y puede que me quede corto. Pero es inevitable recordar cada una de las escenas como una pequeña obra maestra de lo cotidiano. Es ahí donde radica mayormente su mérito. Hacer humor de lo trágico, de lo mínimo, de lo insignificante. Sin grandes artificios ni escenarios, Azcona y Berlanga construyen esta joya de lo esperpéntico del ser humano.

La narración firme, primeramente cómica, se va tornando poco a poco en la tragedia de ese hombre asustado por su futuro como verdugo. Sobre cómo, a partir de sus buenas intenciones de prosperar, la tragedia se va asomando poco a poco en su vida. Esa conversión en tan pocos minutos con un guión soberbio demuestra la capacidad de un guionista tremendamente lúcido y un director capaz de narrar algo tan a contracorriente de su época. No sólo fue la película, sino el marco en el que se inscribe. Soberbia.

Adiós a Rafael Azcona

Plácido (*****)
de Luis Gª Berlanga y Rafael Azcona

Película que representa como pocas lo que fue España, pero también lo que es y será. El carácter de todo español queda reflejado en esta extraordinaria comedia de tintes teatrales, de sainetes y farsas, donde todos los personajes chocan entre ellos buscando el interés propio.

La no solidaridad, el “venga usted mañana”, el “es en la otra ventanilla” queda asombrosamente reflejado en una historia tan simple que cuesta resumirla. Plácido, que es contratado para participar con su motocarro recién comprado en la cabalgata de la campaña navideña “cene con un pobre”.

Todas las miserias del ser humano quedan reflejadas en unos diálogos tan espontáneos que asustan en una comedia tremendamente fluida y con un poso de amargura final que nos deja tocados.

Series

The wire (*****) [1ª temp.]
de David Simon.

Estamos, sin duda, ante una de las obras maestras de la televisión. Un terrorífico relato sobre las miserias humanas descrito vilmente a través de 12 capítulos complejos y perfectos.

Estamos ante cine del grande, ante el mejor Scorsese narrando estas historias de Baltimore. Del surgimiento de la mafia de esas calles vacías y sucias de la ciudad. El negocio de la droga, el nacimiento del dinero, y todo lo que eso conlleva después.




David Simon construye un guión espléndido, muy bien estructurado, lento en sus primeros capítulos, que sostienen los siguientes, donde la acción cobra más protagonismo. Polis contra ladrones donde la línea intermedia no se distingue a plena luz. Construyendo de la nada un caso. Intereses políticos en contra, dinero en contra, todo en contra para el amigo McNulty y su empeño, más que ético, profesional.

Narración densa, 60 minutos por capítulos que exprimen al máximo tu cerebro, pero que realmente merecen la pena.

Quiero ser tortilla

Ése es el título del reivindicativo corto en el que donde participa la inigualable Lo. Véanlo, merece la pena.

Criticando, siempre criticando

Este viernes, con “Público”

Mi hermosa lavandería (**)
de Stephen Frears y Hanif Kureishi

Una de los títulos más reconocidos de Stephen Frears contando con la actuación del siempre deslumbrante Daniel Day Lewis. Esto, y un argumento arriesgado, con la homosexualidad, la violencia hooligan y el racismo de por medio dan a la historia un empaque de tragedia-denuncia.

Sin embargo, no va más allá, no llega ni a conmover ni a incordiar. Se queda en un punto intermedio. No parece existir una historia que contar. Más bien son sucesiones de actos muy poco relacionadas. No hay sensación de conjunto y al final acabamos con un poso de desolación.

Oscar para Anton Chigurh

Merecidos premios para los Coen. Se lo merecían. Desde ese “rincón” que ellos mismos afirman, han sido capaces de crear auténticas joyas del cine reciente. Como esta última “No es país para viejos” gracias al sustento de la poderosa novela de Cormac McCarty.

Además, han creados que pasarán a la historia del cine, como El nota (El gran Lebowsky), Barton Fink, la Jefe de policía Marge (Fargo) o este último Anton Chigurh que pasa por ser uno de los mayores asesinos del cine.

Mucho le debe Anton a Javier Bardem, pero mucho le debe también Bardem a Anton, porque ha sido muy bien construido desde el guión hasta la caracterización (ese flequillo) pasando por la escenificación de todo lo que le rodea. Por eso, enhorabuena a Bardem, y también a Anton, que tiene desde este momento un lugar en nuestros corazones (si es que late cuando le veamos).

Criticando, siempre criticando

Este viernes, con “Público” otra joya del cine reciente

Elephant (****)
de Gus van Sant

La violencia no nos abandona. Es inherente al ser humano, y lo que es peor, es así desde muy jóvenes. Podemos buscar excusas: la televisión, el cine, la música, la venta libre de armas… pero nada cambia. No se ponen remedios ni parece importar. Sólo unos minutos cuando sucede, y después nada ocurre.

Gus Van Sant reflexiona sobre esto, pero a su manera. Con un estilo inconfundible aborda las últimas horas antes de los asesinatos en el instituto Columbine. Refleja la cotidianeidad, la paz antes de. El director consigue introducirnos en ese instituto, nos lleva de la mano a través de esos enormes pasillos sin destino concreto.

Esto no es un juego, esto es la vida real. La educación está perdiendo el partido. Sólo hay que mirar a nuestro alrededor, no hay que irse tan lejos. Nadie parece preocuparse.

Criticando, siempre criticando

No es país para viejos (****)
de Joel Coen y Ethan Coen.

Segunda vez que los Coen no escriben un guión original (tras Ladykillers) aunque esta vez la historia parece surgida de sus calenturientas mentes. De otra mente similar (Cormac McCarthy) nace No country for old men, donde uno no sabe más del argumento sólo que el infierno ha sido creado en la frontera entre México y EE.UU.




Surge como película de acción para convertirse poco a poco en un laberinto donde lo que se deja patente es la destrucción de un hombre con el paso de los años. La idea patente es la de hombre perdido en su edad (Tommy Lee Jones) abocado a una sociedad que no es capaz de reconocer, donde la gente mata y muere por y para el dinero, donde los valores quedaron atrás, muy lejos, ni siquiera visible en los desiertos de la nada.

Y los Coen consiguen que esa sensación quede en el espectador, más allá de los artificios de sangre y disparos, más allá de la persecución a cámara lenta de Bardem a Brolin, y de todos contra Bardem. Lo que queda es la frustración y desolación de la pérdida de la esperanza, el horror de todo lo ajeno. La sociedad se pudre y nadie puede hacer nada para evitarlo.




Reflexiones aparte, muertes aparte, la película es asfixiante, agotadora, sufrida. El humor de los Coen sale a cuentagotas, aquí nos asomamos mucho más a “Muerte entre las flores” por la violencia y a “Barton Fink” por su sentidos. El trío protagonista es espectacular. Bardem sostiene toda la película, pero Brolin hace un retrato magnífico del pobre hombre, mientras que Lee Jones es el encargado de perder la identidad a lo largo de las 2 horas.

Series

Studio 60 on Sunset Strip (*****)
de Aaron Sorkin

El tiempo será justo con esta serie, la convertirá en lo que ya comienza a ser: un objeto de culto. Sólo ha durado una temporada, pero aún así quedará a la posteridad como uno de los hitos de la televisión.

Y decimos que sólo ha durado una temporada por su prematura cancelación. Pero no sé por qué, no me extraña. Se trata de una serie tremendamente crítica con la sociedad americana, con la derecha, con los movimientos más reaccionarios de la Iglesia católica, contra el mundillo de la televisión, contra la fama, contra la guerra… y contra el Gobierno de EE.UU. Y es que Aaron Sorkin decidió morir matando, poniendo el acento en lo más repugnante de la sociedad norteamericana, que no es más que un desarrollo de la nuestra.

Y todo esto con una serie que narra la problemática que surge en un programa de humor semanal (Studio 60) en la cadena NBS: problemas con los directivos, la censura, las dificultades creativas, los actores… Mezclando el drama y el humor en el porcentaje justo.

Las interpretaciones y el casting están excelentemente seleccionados, destacando a Matthew Perry como el guionista y Bradley Whitford como el director, Amanda Peet como jefa y Sarah Paulson, D.L.Hughley, Nathan Corddry como los cómicos. Los diálogos son brillantes, lanzados a mucha velocidad, excesivamente perfectos, haciendo diana en cada momento en lo que se pretendía contar.


Creo que no he logrado transmitir todo lo que esta serie supone, como la misma serie no ha sabido transmitirla al gran público. Es verdad que no es una serie masiva, precisamente por lo que ella misma critica. Como la pescadilla que se muerde la cola, la sociedad camina cada vez más hacia la ignorancia.

Artículos
Blog Espoiler alabando a la serie.
Blog Serial Killer lo define como lo mejor que le ha ocurrido a la TV en los últimos años.

Alegría por La Soledad

Otro año más, otra repetición más. La gala de los Goya se convierte en exactamente lo mismo de la anterior, cambiando únicamente los ganadores. Y en los ganadores es donde encuentro una grata sorpresa (y alegría). La Soledad se impuso en mejor película y dirección a la decepcionante Las 13 rosas y a El orfanato (sin calificativos por mi parte, pero sin muy buenas críticas en general).

La Soledad. Es ése el cine que verdaderamente interesa. El que hace reflexionar, el que hace pensar y nos aturde. La vida, sin más en el cine. La Soledad es eso y mucho más. Enhorabuena por los premios, y sorprendente la marginación que han tenido sus actrices, en un reparto con las interpretaciones más absorbentes que se han visto en el cine español.

Cultura en la calle

El sábado 2 de febrero con el País, una obra maestra: Match Point.

Match Point (*****)
de Woody Allen.

Primera de las tres películas rodadas por Allen en Londres (Scoop y Cassandra´s dream) y una de sus obras maestras (en mi opinión junto a Annie Hall y La rosa púrpura del Cairo).

Narra el ascenso en sociedad de un joven ex-tenista (Jonathan Rhys Meyers) que se debate entre dos mujeres: su mujer (Emily Mortimer) que le proporciona un estatus y prestigio deseados, o su amante Nola (Scarlett Johansson) con la cual siente una pasión irremediable.

Allen vuelve a sus temas preferidos ya abordados en Delitos y faltas o Maridos y mujeres, pero tomadas desde una nueva perspectiva, más cruda, más obsesiva, convirtiéndose el deseo en pesadilla, con el azar y la casualidad como telón de fondo de todas nuestras vidas (y miserias)

Las interpretaciones están a la altura de la historia, con la seducción exultante de Scarlett Johansson y la mirada desconcertante de Jonathan Rhys Meyers.

Vaya globo

Para una vez que ganamos. Bueno, yo no, sino Javier Bardem. Sí, es un premio, pero le han quitado todo lo bueno que eso conlleva: la cena y la borrachera de la noche. Huelgas al margen, hablemos de unos premios que me parecían interesantes (combinan premios a cine y a series) pero que poco a poco se abandona a criterios ajenos a la calidad.

No entiendo que en los premios a mejor película, dirección y guión no coincida una sola película. Parece que el premio se reparte cual gordo de lotería para hacer más felices a unos cuantos. Y aunque nunca debemos dejarnos guiar por ese baremo, los premios influyen en nuestra mente.

En cuanto a series, poco que comentar. No ha ganado ninguna de las que he seguido este año. Ni la extraordinaria Studio 60, ni la genial The office o Scrubs, ni las notables The black Donnellys o Heroes. Así que sólo nos queda esperar que se estrenen Mad men o Californication que parecen las grandes triunfadoras y aburrirnos con las ya mon´tonas House o Anatomía de Grey.

Libros de cine

Retraso de 10 años (Spain is diferent) para la publicación de El director es la estrella volumen I (el original es Who the devil made it) en la que el director Peter Bognanovich entrevista a 6 de los mejores directores de la historia: Allan Dwann, Raoul Walsh, Fritz Lang, Josef von Sternberg, Howard Hawks y Alfred Hithcock.

En Las películas de la caza de brujas de Javier Coma volvemos a uno de los temas más interesantes en la literatura sobre cine. En una época apasionante por cruel con respecto a la persecución realizada a los comunistas. Se perdieron muchos pryectos, pero también se hicieron maravillosas películas, analizadas en este libro.

Y por último destacamos El personaje en el cine, de Pedro Sangro donde se recogen diversos ensayos sobre la creación de personajes en la gran pantalla. Destacan ls visiones de Hawks, Lubitsch y Huston.

Próximamente: En el valle de Elah.

Paul Haggis vuelve al cine (tras su serie Los hermanos Donnelly) como guionista y director para ahondar aún más en la profunda herida de Norteamérica: Irak. En el valle de Elah, Tommy Lee Jones es un padre que investiga la desaparición de su hijo soldado destinado en Irak. Para ello contará con la ayuda de su mujer (Susan Sarandon) y de una detective (Charlize Theron), e irá viviendo las experiencias de su hijo en la guerra.

Se inspira en un caso real, publicado en el libro Murder in baker company, the forgotten soldier, que narra la extraña desaparición del soldado tras ausentarse sin permiso de la base. Para concluir, una curiosidad, el título toma referencias bíblicas, pues Elah era el valle donde David se enfrentó con el gigante Goliat.

Criticando, siempre criticando (series)

Heroes [volumen 1] (****)
de Tim Kring.

A la espera de que se estrene oficialmente en España el volumen 2, analicemos la 1ª temporada de una de las revelaciones del año pasado. Todo lo que hizo convertirse en una sensación, parece que le ha condenado en la 2ª temporada, que según algunas críticas, empieza a ser mediocre.

Y es que puede que se haya perdido el factor sorpresa de este volumen 1. La trama era original así como los personajes. Todo versaba alrededor de unas pocas personas cada una con un poder especial: volar, viajar en el tiempo, oír los pensamientos… Hasta que uno de ellos decide ir matando a los demás para adquirir todos los poderes.

Salva a la animadora, salva al mundo. Héroes sin capa ni disfraz, héroes con problemas cotidianos. Trama enrevesada pero bien finalizada, bien narrada y dejando un poso filosófico interesante. Con altibajos por su excesiva duración, pero con una sensación final de entretenimiento puro y fascinante.

Criticando, siempre criticando (series)

The office [3ª temporada] (*****)
de Ricky Gervais y Stepehn Merchant

He llegado tarde a conocer esta serie, pero ha resultado reconfortante y fácil acceder a ella. The office cuenta la vida y relaciones que se producen en una oficina. En este caso, en Dunder Mifflin, productora y distribuidora de papel.

Es comedia pero sin risas enlatadas, no hay música que remarque las escenas y tampoco mucho diálogo. La comedia está en las situaciones, en los silencios, no hay artificios ni chistes baratos. Comedia inteligente que además reflexiona sobre cómo somos y cómo nos comportamos.



El cabeza visible de la oficina es Michael Scott (inconmensurable Steve Carell), jefe pero con alma de chiquillo adorable. A su lado, Dwight, el pelota de toda oficina y el mejor vendedor. Al otro lado Jim, el segundo de a bordo y el cómico del grupo con sus bromas a Dwight. Y la secretaria Pam, de eterna relación con amistad-amor con Jim. Pero hay más, Philis, Angela, Ryan, Oscar, Karen, Andy…

Todos los personajes están perfectamente retratados desde el primer capítulo. EN todos podemos identificarnos. Las situaciones vividas y los conflictos surgidos son retratados de forma natural, a modo de documental, pues es eso en cierta forma lo que quiere ser la serie. Una docucomedia. Un gran hermano de la oficina (desde el capítulo piloto un equipo rueda todo lo que ocurre en la oficina) donde los personajes hablan a cámara y reflexiona sobre sus vivencias, que al fin y al cabo también son nuestras, lo que la convierte en lo que es, una maravillosa serie.

Criticando, siempre criticando

Los hermanos Donnelly [1ª temporada] (***)
de Paul Haggis y Bobby Moresco.

Con Paul Haggis no hay término medio. No me gusta para nada Crash pero me pareció interesante el guión de Million dollar baby. Además, parece que la próxima En el valle de Elah está cosechando muy buenas críticas. Por eso hay que tener recelos a la hora de afrontar una nueva propuesta suya.

Esa irregularidad se manifiesta en Los hermanos Donnelly (The black Donnellys en el original) aunque los puntos fuertes superan a los débiles. En ella se narra la historia de 4 hermanos que han crecido dentro de la vorágine de la mafia irlandesa y la lucha de poder con la italiana en pleno Nueva York. Planteamiento sugerente en el que incluye historias de amor, de enfermedad, recelos, venganza. No rehuye a nada, violencia y drogas, incluido.

Se nota que Haggis ya tiene experiencia previa en televisión en cuanto a ritmo (a veces excesivo) y sabio reparto de las emociones y puntos clave en la historia. Los tres primeros capítulos son absorbentes por meterte en la trama de forma irrevocable, pero los que le siguen parecen diluir esta trama inicial para desembocar en otras particularidades, para en los últimos capítulos retomar la historia original como si nada.

No es que los capítulos intermedios fueran inferiores, pero sí ignoraban una trama inicial que queda diluida. Luego, en los últimos la retoma pero todo parece más artificial. Ése quizás sea el principal achaque a una historia muy recomendable narrada de forma original, con actores jóvenes sorprendentes en papeles nada fáciles y con una fotografía cruda y directa.

Punto positivo para Haggis (y Moresco). Esperamos la próxima temporada.

Obra maestra de Scorsese-Hitchcock

He de mostrar mis reticencias al ver cómo Martin Scorsese, por una gran cantidad de dinero, se vendía a hacer un anuncio para Freixenet. Pero he de rectificar y no me cuesta en absoluto tras comprobar lo que ha hecho.

Un corto de Scorsese ya es un lujo de por sí y se lo ha tomado muy en serio. Parte de la idea brillante del descubrimiento de un guión de Hitchcock que quiere llevarlo a la gran pantalla tal y cómo Hitchcock la hubiera hecho. Con el vestuario, los mismos registros interpretativos, los mismos efectos especiales… te transporta claramente al universo Hitchcock en apenas 8 minutos.

Un lujo al alcance de todos, donde dos grandes directores se fusionan para crear una pequeña gran obra maestra.

Se titula Clave reserva: véanlo.

Criticando, siempre criticando.

Once (****)
de John Carney

Qué deliciosa película. Nada en particular la distingue, nada original a primera vista. Una historia de amor, de casi amor, pero contada de una maravillosa manera. De la más simple de las formas, sin interferencias ni artificios. La naturalidad abunda tanto en la película como escasea en el resto del panorama actual.

Chico conoce a chica. Chico y chica se enamoran veladamente pero no se atreven o no pueden decirlo mutuamente. La unión llega a través de la música. Él con la guitarra, ella la acompaña poco a poco al piano hasta llegar a una perfecta coordinación. Canciones y más canciones se suceden, todas geniales, de letras minuciosas, preciosistas, con melodías que verdaderamente tocan lo más sensible de uno.

Canciones compuestas por los propios actores, todo muy íntimo, todo muy simple. Todo de una manera que al final llegas a creer que lo que sucede en la pantalla es absolutamente verdad. Y eso es lo mejor que le puede pasar a una película.