Rexaminando a... Sam Peckinpah (25 años de su muerte)

Grupo salvaje (****)
de Sam Peckinpah y Walon Green.

“Los tiempos han cambiado” se dice en un momento de Grupo Salvaje, y efectivamente, los tiempos han cambiado, y ese cambio proviene de esta película, que muchos suponen la ruptura del cine tradicional. Sam Peckinpah toma el western y lo hace moderno, lo cual no implica que se mejor ni peor, pero sí diferente y ése es su valor principal. Y no sólo referido al desarrollo de imágenes violentas, sino al ambiente áspero y denso de un mundo sin ley.

Ya desde el comienzo se ve esa atmósfera, esos niños torturando a un escorpión, un predicador adoctrinando sobre el infierno y el grupo de bandidos que no consigue dar el golpe y comienza su huída, escapando primero a México y luego volviendo a Estados Unidos, sin más esperanza que la derrota. Sin duda, una de las grandes obras maestras del género.

Criticando, siempre criticando

In the loop (****)
de Armando Iannucci, Jesse Armstrong, Simon Blackwell, Tony Roche

Nunca hay que perder la buena costumbre de reír, aunque sean de cosas serias, como los prolegómenos de la invasión a Irak urdida por Estados Unidos y Gran Bretaña. Con sede en esta última, In the loop extiende su mirada crítica a ambos lados del charco. Esta especie de The Office ambientada en la política, se ríe de esa supuesta seriedad y rigurosidad de la decisión más importante tomada en lo que llevamos de siglo.




Un ministro de Asuntos Exteriores británico patético, unos asesores desorientados, un jefe de comunicación despiadado, un Subsecretario de Estado norteamericano amante de la guerra, un militar antibelicista y muchos muchos kilos de ironía y sátira desmitificadora de esas altas reuniones, grandes comités, informes concienzudos…


Todo es mucho más cutre, menos respetuoso, más sencillo, y se agradece esa sencillez, a veces llega a ser increíble, y seguro que es poco creíble la cantidad de insultos por minuto, pero Armando Iannucci ha hecho una de las mejores comedias del año. Que sea así la realidad o no, poco importa.

Criticando, siempre criticando

Adventureland (****)
de Greg Mottola.

Con muy poco se puede hacer un buena película. Sin grandes artificios, basándose sólo en una historia de amor entre adolescentes, en personajes con algo que contar, en unos diálogos sencillos y sinceros y con buena música de fondo. Con todo eso, que no es poco, se consigue una muy buena película como es Adventureland. Si esos ingredientes van más allá, se hace una obra maestra, como El graduado.

Y es que la historia está mil veces repetida, pero siempre reconforta, chico conoce a chica, chico y chica se enamoran, aunque como siempre, hay una serie de impedimentos que salvar. En este caso, chica y chico son adolescentes francamente perdidos en un mundo que les empieza a ser cruel. Se refugian en un trabajo de verano en Adventureland, parque de atracciones reflejo de un mundo soñado artificialmente.


Se agradecen historias de adolescentes inteligentes, tipo Juno, tipo Una historia de Brooklyn, donde el protagonista (Jesse Eisenberg) repite, en Adventureland junto a Kristen Stewart que deja de lado la artificialidad de Crepúsculo para convertirse en verdaderamente humana. Greg Mottola hace un gran trabajo de simplicidad y Yo La Tengo ponen la selección musical de los 80 en los que se desarrolla la historia. Una tragicómica historia de amor, que no propone y no cansa, agradable en su desarrollo, no se puede pedir más.

Criticando, siempre criticando

El secreto de sus ojos (****)
de J.J. Campanella y Eduardo Sacheri.

Campanella sigue apostando por el romanticismo y el humor cotidiano, pero a su tónica habitual le añade una intriga perfectamente narrada. Así, ha sido capaz de hacer equilibrios entre comedia, drama, thriller y romanticismo.

La historia narra la reapertura de un viejo caso de violación y asesinato de una chica. Reabierto por el investigador, Darín, que años más tarde pretende escribir una novela acerca de ella. Eso le lleva a revisitar su pasado, con el dolor que ello provoca por viejos amores, amigos y obsesiones.



Todo ello con sus habituales Ricardo Darín y Soledad Villamil, pero sobresaliendo los secundarios sobremanera: Pablo Rago, Guillermo Francella y Javier Godino. Campanella acierta como casi siempre, no defraudando para los que esperan ver lo nuevo de él, pero tampoco defrauda a los que no les gusta su estilo. Cine negro del bueno.

Probablemente, uno de los mejores plano secuencia de la historia del cine: ver

Series - Criticando, siempre criticando

Pushing Daisies (***) [temp 2]
de Bryan Fuller.

Pushing Daisies queda marcada por situaciones ajenas: primero la huelga y luego el cierre anticipado de la serie. Eso afecta claramente al desarrollo de las tramas continuadas en el tiempo, aunque en esta segunda temporada alcanza sus mejores momentos con algunas resurrecciones muy familiares.



En resumen, trata de la historia del pastelero que puede devolver la vida, de su mejor amiga resucitada, del detective Emerson Cod que lo utiliza para resolver crímenes y de la ayudante del pastelero eternamente enamorada.


Los capítulos se suceden con la sensación de recurrir a la sorpresa para mantener fiel a la clientela. Mientras, por otro lado, cuenta con las historias de un capítulo, que de inverosímil, sorprende y agrada. Es una serie que se podría ver bajando el volumen, es hermosa en colores y ambientes. Como si Tim Burton dirigiera una secuela de Amelie hecha serie. Sí, es una comparación ya repetida, pero perfecta para describirla. Descanse en paz Pushing Daisies, si es que no es resucitada a manos de su pastelero.

Reexaminando a... Elia Kazan - Centenario Kazan

Al este del éden (****)
de Elia Kazan y Paul Osborn.

Al este del edén parece la traslación de un relato bíblico a la América durante la I Guerra Mundial. La parábola del hijo pródigo o el relato de Caín y Abel surgen inevitablemente al narrar la historia de un granjero y sus dos hijos Aaron, formal y disciplinado a las órdenes de su padre, y Cal, muchos menos sumiso y más valiente en la lucha con su padre, que encarna la figura de la tradición y lealtad a unos valores ya obsoletos.

La figura de Cal, en la piel de James Dean en su primer protagonista, gana fuerza en la película, buscando nuevas oportunidades para el negocio familiar, buscando la verdad en su propia familia tras toda una vida sin su madre, creyéndola muerta por convencimiento del padre. Encuentra un apoyo inesperado en Abra, la novia de Aaron que se convertirá en un nuevo punto de disputa.

Una película vitalista, reivindicativa de unos valores distintos a los tradicionales, de una búsqueda de nuevos mundos a explorar, convirtiendo a James Dean en un símbolo de su propio argumento, luego confirmado con Rebelde sin causa y Gigante.

Llegó el otoño y más allá

El secreto de sus ojos de Campanella.


Destino: Woodstock, Ang Lee también celebra su aniversario.


Si la cosa funciona del maestro Woody.





Los límites del control de Jim Jarmusch.



9 de Tim Burton que sigue con la animación.



Entrevistas breves con hombres repulsivos de John Krasinski adaptando a Foster Wallace.

A serious man, de los hermanos Coen.

The road, la adaptación de McCarty

The informant, de Steven Soderbergh con Matt Damon.

II Guerra Mundial: Lo que ya ha sido y lo que queda.

El 70 aniversario del comienzo de la II Guerra Mundial parece haber incentivado (aún más) el interés del cine en su interior y alrededores. Si ya se han estrenado El lector, El niño con el pijama de rayas, Valkiria, Mein Führer… aquí llega unas cuantas más.

Malditos bastardos de Quentin Tarantino.

Milagro en Santa Anna de Spike Lee.

Katyn de Andrezj Vajda.

Dead Snow de Tommy Wirkola con nazis zombies!!

El lazo blanco de Michael Haneke, ganadora de la Plama de Oro en Cannes.

Tarantino español

Tarantino se declara muy cercano a nuestro país y no suena a mera cortesía: “Siento un gran afecto por España. Aunque suena a tópico, siento una enorme admiración por Pedro Almodóvar, es uno de los artistas internacionales más importantes de los últimos treinta años. También soy un gran admirador de la obra de Carlos Saura."

"Y hay una película que siempre me ha fascinado, El espíritu de la colmena, una verdadera obra maestra. No quiero olvidarme de Antonio Isasi, director de la excelente Un verano para matar (1972). Y también me encanta Eugenio Martín, uno de los grandes del spaghetti western. Si alguien no ha visto El precio de un hombre (1967) o Horror Express (1972), con Peter Cushing, no debería perdérselas. Y por supuesto Jess Franco, un cineasta excepcional y un amigo muy querido”.

Juan SARDÁ - El Cultural.

Reexaminando a… Elia Kazan - Centenario Kazan -

Un tranvía llamado deseo (*****)
de Elia Kazan y Tennessee Williams.

Stellaaaa!! Sólo un nombre, pero esa escena pasará a la historia del cine, como la revancha intelectual de una mujer contra la superioridad física del hombre (Kim Hunter contra Marlon Brando). Kazan lleva al cine la obra de teatro de Tenneessee Williams que él mismo se encarga de adaptar. Marlon Brando es Stanley, casado infelizmente con Stella y viviendo en la calurosa Nueva Orleáns (marca de la casa de Williams). Allí llega Blanche (Vivien Leigh) hermana de Stella que transformará la visión de ésta ante la desesperación de Stanley por descubrir su extraño pasado.

Los secretos, la falsedad, la apariencia, la locura, el poder o incluso la lucha por unas tierras, temas tan habituales en Williams, sobrecoge especialmente en Un tranvía… por la atmósfera opresiva de violencia verbal y física desatada en medio de un vecindario que se asfixia.

Pasiones cinéfilas – Aaron Sorkin

Escritor empedernido, creador de tres magnícas series y guionista de unas cuantas películas de discursos imponentes, Sorkin parece haber nacido para el ritmo, con esos diálogos afilados a tanta velocidad que uno requiere de gran retentiva para captarlos.

En cuanto a las series, primero fue Sports night, con Peter Krause y Felicity Huffman donde narraba las vicisitudes de una redacción de un programa deportivo nocturno de una televisión norteamericana. Este mismo hilo argumentativo seguía en su última serie, Studio 60, lamentablemente cancelada por la NBC a pesar de su gran calidad. En ésta, Sorkin reflexionaba sobre el papel de un programa cómico en la sociedad, a través de un humor políticamente incorrecto que conllevaba la reflexión sobre una sociedad americana moralista y conservadora.

Su gran éxito fue El ala oeste de la Casa Blanca, y sus 7 temporadas sobre la Administración Bartlet, a modo divulgativo, enriquecedor, creativo y esperanzador sobre los designios de EE.UU. (y del mundo por extensión) diseñada en la Casa Blanca. Con altibajos, por la propia marcha de Sorkin en algunas de sus temporadas centrales, se ha convertido en un referente de las series norteamericanas.

Momento para resaltar los puntos autobiográficos. La marcha de Sorkin de El ala oeste fue provocada por los problemas de éste con las drogas, provocado a su vez por el ritmo de escritura excesivo y por la necesidad que tenía Sorkin de controlar todo el proceso creativo. Estos mismos problemas se desarrollan en Studio 60, siendo Matthew Perry una especie de Sorkin en la sombra, que a modo de terapia, parece haber recuperado una de las plumas más afiladas de la sociedad norteamericana.

En el cine, siguió con su vertiente política con el guión de La guerra de Charlie Wilson, y anteriormente, con El presidente y miss Wade. Ahora prepara algunos cuantos guiones con muy buena perspectivas de futuro (para David FIncher, para Brad Pitt, para Ben Stiller como director…). Sorkin resurgió de sus cenizas, con más mordacidad que nunca.

Series - Criticando, siempre criticando

El mentalista (***)
de Bruno Heller.

El Mentalista comienza con un primer capítulo soberbio, donde se da a conocer a la brigada criminal de California, y con ellos un asesor, el famoso mentalista del título (Simon Baker, igual de bien que en El guardián).

Ese primer capítulo fantástico se repite a lo larde la temporada, manteniendo las mismas constantes: unos primeros sospechosos, algo de acción y una resolución inesperada que de habitual se convierte en esperada con el paso de los capítulos.



A pesar de ello, no hay que restar méritos a unos guiones precisos, a una realización perfecta aprovechando los paisajes de California y a unas interpretaciones solventes.

Heller, tras Roma y su cancelación, apuesta ahora por la comercialidad, pero con buen gusto.

Series- Criticando, siempre criticando

Breaking bad (*****)
de Vince Gillian.

Otra obra maestra nos deja la televisión (norteamericana, claro) y ya van tantas. Otra vez el mundo de la droga, pero lejos del mundo realista de The Wire y del frívolo de Weeds. Aquí las formas remiten inmediatamente a los hermanos Coen, con esa sensación de cómo se ha llegado hasta este esperpento sin habernos dado cuenta.





La historia narra las desventuras de Walter White, un profesor de química al que se le descubre un cáncer y quiere dar un giro a su vida dedicándose a producir droga junto a un ex alumno suyo, ganando un dinero con el que poder pagar la terapia.

El guión es soberbio, con el uso puntual uso de flash-forward que redundan en ese “cómo es posible” que siempre está presente en el relato, marcado por la difícil distinción entre aquello que supuestamente está bien de lo que está mal.



Los actores están soberbios, especialmente los principales Bryan Cranston y Aaron Paul, que parecen haber nacido para el papel haciendo esa interpretación memorable de perdedores con orgullo, que por una vez quieren alcanzar la gloria.

Series - Criticando, siempre criticando

Entourage (****)
de Doug Ellin.

Hollywood revisitado una vez más, pero ahora diferente: formato serie, mordaz, ácida, directa, sin necesidad de corrección.

Doug Ellin apuesta fuerte y narra las maravillas y miserias de Hollywood a través de una estrella en ciernes (Vincent Chase) y de su séquito de amigos: Johnny Chase “Drama”, su hermano y actor olvidado; Eric Murphy, su mejor amigo y representante; y Tortuga, chófer oficial o proveedor de marihuana. A todos ellos se les une el personaje estrella: su representante, Ari Gold (Jeremy Piven en un papel que le ha proporcionado tantos premios como reconocimiento).





La carrera ficticia de Vincent se cruza con personajes propiamente ficticios y reales, lo que le da un tono diferente de docu-reportaje de alto standing: Jessica Alba, Scarlett Johansson, Paul Haggis, James Cameron, Mandy Moore. Y la carrera de este Di Caprio del futuro: Head on, Aquaman, Queen´s Boulevard, Medellín… que por lo descrito, dan ganas tantas de ver como cualquiera verdadera.

Los guionistas aciertan con el ritmo (25 minutos que se hacen cortísimos) y con las tramas, sin prisas por cerrarlas y con capacidad de cruzar argumentos y personajes, lo que le da una vistosidad al alcance de muy pocas. Apoyándose además en unas interpretaciones más que solventes (impresionante Kevin Dillon), unos diálogos vibrantes y una ciudad que se presenta como divertimento. Una obra maestra moderna.

LUGARES COMUNES - Vietnam (3)

El cazador (*****)
de Michael Cimino, Deric Washburn, Louis Garfinkle y Quinn K. Redeker

Si El americano impasible es el Vietnam antes del Vietnam, si Apocalypse Now es el Vietnam durante el Vietnam, El cazador se centra en las consecuencias del Vietnam. Pero va más allá y utiliza Vietnam como pretexto para narrar el horror que la guerra provoca en el ser humano.

Aquí la historia es más humana que bélica. Para ello, y durante sus majestuosas 3 horas nos muestra a unos amigos antes y después de la incursión de algunos de ellos como soldados en la guerra.

La primera hora (puede parecer demasiado, pero necesario para que la frustración que nos provoca sea mayor) vemos la felicidad hecha a medida de estos obreros ávidos de divertimento. La segunda hora es un Vietnam en particular, aquél en el que la crueldad alcanza su máxima expresión a través de la ruleta rusa y de las apuestas que se genera en torno a ella. De cómo los soldados prefieren disparar a seguir aguantando aquel infierno. La tercera hora es la vuelta a casa, pero ya nada es lo mismo, ni la rutina, ni la amistad, ni el amor, ni la caza. Algo se quedó en Vietnam que seguirá en podrido dentro de todos ellos.



Pocas veces se ve una interpretación tan majestuosa como la de Christopher Walken aquí. De Niro y Streep están a su altura habitual, pero Walken consigue impactarnos en algunas de las escenas más recordadas en la historia del cine.

LUGARES COMUNES: Vietnam (2)

Apocalypse Now (*****)

de Francios Ford Coppola y John Milius.

Si hablamos de Vietnam en guerra, eso es Apocalypse Now, una guerra muy especial, desde otro punto de vista, adaptando la historia de Joseph Conrad y su El corazón de las tinieblas, narrando el recorrido del Capitán Willard (Martin Sheen) del ejército estadounidense al que se le ha encargado cruzar río arriba hasta Camboya para matar al coronel Kurtz (Marlon Brando), retirado en la selva, creyéndose un Dios al que veneran sus súbditos.

De una historia aparentemente simple, Coppola convierte cada peripecia de Willard en una experiencia vital, llenando de simbolismo el metraje, no sólo narrando el horror, sino convirtiendo su película en un horror que experimentar, unida a una reflexión belicista de la condición humana, siempre prepada para la guerra. Obra maestra.

LUGARES COMUNES - Vietnam (1)

Empiezo una nueva ¿sección? en este ¿blog? No tengo ni originalidad para inventarme el nombre y se lo pido prestado a Aristarain. Lugares comunes va... de eso, de lugares comunes en el cine, empezando por Vietnam.

El americano impasible (****)

de Phillip Noyce, Christopher Hampton y Robert Schenkkan.

Basada en la novela de Graham Greene y remake de la adaptación de Mankiewicz del mismo título, El americano impasible narra el triángulo amoroso entre un periodista inglés (Michael Caine), una joven vietnamita (Do Thi Hai Yen) y un americano (impasible Brendan Fraser) en el Vietnam antes del Vietnam, es decir, al Vietnam previo a la incursión americana.



La firmeza de la historia de amor está basada en la excelencia de los actores: qué tipo tan raro Brendan Fraser capaz de elegir grandes papeles (Dioses y Monstruos) con pestiños considerables (La momia). Qué excelente Michael Caine (como siempre) como ese periodista desencantado con Occidente, deseoso de una cultura ajena.

La historia de acción es abordada como thriller, absolutamente solvente con un misterio (el del americano impasible) pendiente constantemente de resolver, llevándonos por caminos del Vietnam que posteriormente se convertirá en infierno.

Reexaminado a… Hayao Miyazaki.

El viaje de Chihiro (****)
de Hayao Miyazaki.

“Tenemos que estar abiertos a los poderes de la imaginación, siempre aportará algo útil a la realidad”. En esta frase Miayazaki expone sus principios en cuanto a la producción cinematográfica. Si hay una palabra para describir su cine, ésa sería fantasía, partiendo de un mundo extraño y bello, que entronca siempre acertadamente con el mundo real, creando una fábula a la vez divertida y reflexiva acerca de todo lo que nos rodea.



Y eso es también El viaje de Chihiro, la película que lo consagró, junto a La princesa Mononoke (anterior) y El castillo ambulante (posterior) formando una trilogía que marcará una época en una animación dominada por la perfección técnica del que Miyazaki rehuye sin que por ello deje de ser bello.

En el viaje de Chihiro narra la historia que en pleno viaje junto a sus padres se adentra en un mundo misterioso, donde sus padres son convertidos en cerdos y ella, a partir de ese momento, tendrá que aprender a integrarse a todo lo que es ajeno, a una serie de personajes salidos de una imaginación radiante. Una Alicia en Japón.



Aquí no existen, y es de agradecer, buenos ni malos, cada personaje aporta un matiz a esa polaridad. Ni tampoco existe una moraleja que sorprenda a la protagonista, sino que es ella, y con ella nosotros, los que la descubrimos sin que sea autoimpuesta, como es tan habitual en Hollywood. Un pequeño oasis entre tanta saturación de banalidad.

“No creo que los adultos deban imponer su visión del mundo a los jóvenes, creo que ellos tienen capacidad suficiente para crear su propia visión”. Palabra de Miyazaki.

Pasiones cinéfilas – January Jones

A January Jones cuesta verla alejada del papel de esposa acomodada de Don Draper en Mad Men. Y aunque en la segunda temporada se rebela ante esa seguridad, es imposible dejar de ver la imagen de madre reposada, cigarro en mano, arropada por lujos de la época. Sin embargo, fuera de su personaje, se ha convertido en objeto de revistas y miradas.

Como su personaje, January comenzó como modelo; y como su personaje, lo abandonó. En la serie por Don, en la realidad por el cine. Y aunque sus papeles (secundarios) no fueron del todo acertados: American Pie, Dirty Dancing: Havana nights… poco a poco fue seleccionando mejor sus papeles, y difuminándolos más en el tiempo. Primero en Los tres de Melquíades Estrada de Tommy Lee Jones y Guillermo Arriaga, y ahora en la actualidad, en la televisión, con apariciones en Ley y Orden, y un papel protagonista, y vaya protagonista, en Mad Men.



En la actualidad, tiene pendiente de estreno Radio encubierta (The boat that rocked), junto a Phillip Seymor Hoffman, y dirigida y escrita por Richard Curtis, el guionista, entre otras, de Bridget Jones o Love actually (de la que también participó January).

De belleza relajada, para nada artificial, January convierte cada plano en la que aparece en un motivo para la recreación.

Reexaminando a... Raymond Chandler

Extraños en un tren (***)
de Alfred Hitchcock, Raymond Chandler y Czenzi Ormondi.

Dos extraños se conocen en el tren. Un afamado tenista y un admirador. Éste, sabedor de la situación personal del tenista (problemas con la separación de su mujer) le propone un intercambio de asesinatos. Sólo Hitchcock y Chandler (basándose en la novela de Patricia Highmith) podía poner un punto de partida tan fascinante.

Lástima que la tensión de esa primera parte no se mantenga el resto de la película. Porque la película se aleja demasiado pronto de los dilemas morales y se convierte en un thriller (magistralmente rodado), pero al que se le podía haber sacado mayor partido.

Series - Criticando, siempre criticando

True Blood (***)
de Allan Ball.

Era muy esperado el regreso de Allan Ball a la TV tras “A dos metros bajo tierra” y en True Blood ha repetido los mismos temas (muerte, droga, homosexualidad) pero con muy diferente forma, y es aquí donde no llega al nivel de A dos metros. La idea es muy interesante: la comunidad de vampiros sale a la luz (metafóricamente) y pide un reconocimiento en el mundo actual, y Ball centra el relato en la sociedad sureña de EE.UU. donde las tradiciones se mantienen arraigadas.

Mientras que los ciudadanos no toleran este reconocimiento, los vampiros tampoco parecen adaptarse, a pesar de la sangre embotellada que lo sustituye a la natural y de un grupo de presión que trabaja en el ámbito político. Una serie de asesinatos en el pueblo los ponen en sospecha. Pero como toda historia que merezca ser contada, falta la historia de amor, en este caso Bill (fantástico Stephen Moyer), que se siente atraído profundamente de una humana Sookie (Anna Paquin). Ambos son incomprendidos por sus respectivos ámbitos.



De la idea a la práctica hay algo que falla: la idea se plasma con algunos diálogos, situaciones y escenas demasiado burdas. Luego hay diálogos, situaciones y escenas que maravillan (gran factura visual). Y en la irregularidad es donde la serie pierde.

Series – Criticando, siempre criticando

Mad Men (*****) [2ª temp.]
de Matthew Weiner.

Weiner va sobre seguro en la 2ª temporada de Mad Men. Agudiza las relaciones personales, acrecienta los temas políticos (Cuba, Kennedy) y sigue dejando en segundo plano el mundo de la publicidad, de nuevo como excusa para describir a esos tipos de traje y corbata, que se siguen pudriendo por dentro, ambiciosos de poder y sexo.



De nuevo sobre Jon Hamm recae todo el peso de un protagonista que parece darse cuenta de su error, pero ya es tarde. Ahora Betty (fantástica January Jones) toma el mando de la situación y se revela ante una sociedad injusta con las mujeres. Como lo hace Peggy Olsen (Elisabeth Moss) escalando puestos en una organización machistas.



No nos podemos engañar, Mad Men es un culebrón, con todos los ingredientes clásicos, engaños, amores no correspondidos, venganzas, infidelidades, embarazos… pero es un culebrón tan bien contado que apenas te das cuenta y te dejas llevar. Como si Fitzgerald (referenciado varias veces en la temporada) fuera el que firmara el guión, al que se le acusa de escribir sobre nada, pero ¿y lo bien que escribía sobre esa nada? Eso es Mad Men. Parece que no pasa nada, pero terminado los 45 minutos te encuentras de golpe con la realidad.

Examinando a... Raymond Chandler

Aprovechando el cincuentenario de la muerte de Raymond Chandler, buen momento para el repaso de las películas que se basaron en sus libros o las películas que directamente él guionizó.

El sueño eterno (****)
de Howard Hawks, William Falkner, Leigh Brackett y Jules Fruthman.

De la mezcla Hawks, Faulkner, Chandler y Bogart no puede salir un Phillip Marlowe malo. En absoluto. Bogart será el mayor y mejor representante de este detective salido de la mente de Chandler y tantas veces plasmado en el cine. En El sueño eterno (The big sleep) Marlowe es llamado por el patriarca de una familia para investigar los problemas de sus hijas.

Pero como toda investigación, la trama irá a más, y la relación de Marlowe con una de las hijas (Bacall) también. Sus diálogos son de lo mejor que se ha podido escuchar nunca, y aunque la trama es enrevesada y acabas perdiéndote, bendita desorientación si los oídos siguen oyendo hablar de una forma tan lúcida.

Criticando, siempre criticando

Gran Torino (****)
de Clint Eastwood, Nick Schenk y Dave Johannson.

Otra vez una reflexión sobre el desencanto de un hombre acerca de la sociedad que le rodea. Recuerda a No es país para viejos, o a En el valle de Elah, o a Los tres entierros de Melquíades Estrada, curiosamente, o no tan curiosamente, las tres interpretadas por Tommy Lee Jones.

Pero en este caso es Eastwood el desencantado, y aquí Clint Eastwood hace de Clint Eastwood, del clásico, de aquél que no avisa dos veces. Y bien que lo deja patente, demasiado pues chirría a veces, desde el comienzo de la película. Racista, malhablado, cruel… y sin embargo se le quiere como personaje. Pero luego cambio, o eso parece, y todo a partir del frustrado robo de su Gran Torino, de la paternidad que ejerce sobre el chico asiático que trató de robarlo, de la sed de venganza por la pérdida de identidad de su barrio.

Y poco a poco Eastwood va dejando de ser Eastwood convirtiéndose, ahora sí, por influencia católica (tufillo que no termino de asimilar), en todo un referente para el pueblo que lo rodea, el que se sacrifica por el bien ajeno.

La idea es buena, la dirección y el ritmo magistrales. Los diálogos, sobre todo al comienzo, desafinan, con un tono cómico totalmente prescindible. A veces se excede con las reflexiones de Eastwood a todas luces innecesarias, fácilmente sustituibles por las imágenes y sus gestos. Pero aún así, sobrecoge, no sorprende pero estremece, dejando bien a las claras que Eastwood (con permiso de Lumet) es el último gran clásico que queda.

Reexaminando a… Guillermo Arriaga.

Los tres entierros de Melquíades Estrada (****)
de Tommy Lee Jones y Guillermo Arriaga.

Arriaga vuelve a firmar un guión desestructurado pero no coral, lo que la diferencia de la trilogía hecha con Iñárritu. Aquí apuesta por una única historia a partir, eso sí, de un suceso principal, marca de la casa Arriaga. En este caso, el asesinato de Melquíades Estrada, cuyo amigo (Tommy Lee Jones) trata de dar un entierro digno.

Tommy Lee Jones sabe imprimir la desolación del guión en la pantalla, y se reserva el papel principal que también lo ha tenido en otros papeles como No es país para viejos o En el valle de Elah. La del hombre desesperado ante la crueldad de la sociedad que le rodea, de la no comprensión de cómo se ha llegado a este punto. Y Jones lo borda.

Reexaminando a… Fernando Meirelles

Ante el estreno de Blindness (me niego a llamarlo A ciegas), aprovecho para repasar la corta, pero fantástica filmografía de su director.

El jardinero fiel (****)
de Fernando Meirelles y Jeffrey Caine

John LeCarré es un filón para el cine, y con muy poco que le aportes a sus novelas, sale siempre una película interesante. Y así lo hace Meirelles ayudado de Jeffrey Caine en el guión, y por qué no decirlo, de Alberto Iglesias en esa banda sonora fantástica, que convierte a El jardinero fiel en un thriller que va mucho más allá del mero entretenimiento.

Porque detrás de toda la acción intenta mostrar una realidad cruel. Y aunque la denuncia queda tapada y no es expuesta con claridad y sin ambigüedades, al menos lanza la pregunta, incentiva en la búsqueda y deja patente (nunca mejor dicho) las injusticias de las farmacéuticas en el tercer mundo. Fantásticos y sobrios los actores elegidos: Ralph Fiennes y Rachel Weisz.