Musicineando - Lana del Rey & Paz de la Huerta

Lana del Rey utiliza en esta memorable canción (Video games) las imágenes en las que nuestra admirada Paz de la Huerta (ex-amiguita de Nucky Thompson en Boardwalk Empire) salía algo perjudicada, con tropezón incluido, y que dieron la vuelta al mundo Hollywood. Una extraña combinación.

Series - Criticando, siempre criticando

Treme (*****) [2ªtemp]
de David Simon y Eric Overmyer

Cuando uno ve Tremé, la primera tentación es hablar de su música. Y es imprescindible hacerlo, con todo ese movimiento en Nueva Orleans, el jazz, el rock, el rythm and blues, la cultura indígena, el carnaval. Pero la fortaleza de la serie está en sus personajes y en el fascinante desarrollo que tiene.

Ésa es la marca de la casa de David Simon. Ya en The Wire logró unos buenos-malos y unos malos-buenos fascinantes (DiAngelo, Omar, Marlo, Stringer...) y uno no sabía con quién simpatizar.



En Tremé ninguno destaca. Todos intenta sobrevivir al horror después del Katrina, con la música, la enseñanza, la gastronomía, la policía, la justicia, la política... todo cabe en el mundo Simon. Ha sabido elegir los personajes con los que criticar todo este maldito sistema, sin grandes consignas, sólo con la realidad por delante. Que sea el espectador el que se dé cuenta, que nos creamos inteligentes. Tremé es una lección.

En esta temporada Tremé se a "The wirezado". La policía (Homicidios) cobra especial importancia, también la educación y la política, como en The Wire, incluso el proceso de desintoxicación de uno de sus personajes. Todo recuerda a la obra maestra de las series, y que lo siga haciendo.

Reexaminando a... De aquí a la eternidad (70 años de Pearl Harbor)

De aquí a la eternidad (*****)
de Fred Zinnemann y Daniel Taradash

Pocas películas como ésta, que parece aglutinar para sí el concepto de cine clásico. Dirección, guión y actores, todo bendecido por ese aroma de gran cine, capaz de emocionar y fascinar por partes iguales. Es todo el cine posible: bélico, romántico, drama, thriller. Pocas pueden serlo a la vez.



La historia se divide en dos. Por un lado un ex-boxeador (Clift) es presionado para que vuelva a pelear en el ejército, y al negarse, su vida en la base se convierte en un infierno, sólo contando con un amigo (Sinatra) que también sufre en sus carnes la violencia del ejército y con el consuelo de un amor pasional (Reed). Por otro lado, el sargento (Lancaster) tiene un romance con la mujer del capitán (Kerr). Y todo ello bajo la presión de la guerra, más presente que futura, y un Pearl Harbor que marcó a toda una nación y a todo un siglo.

Aún viendo dulcificada su cruda historia (prostitución, homosexualidad, adulterio), es una película valiente para la época, con escenas memorables (el beso en la playa), con un aroma de gran clásico nada más verla.

Reexaminando a... Robert Redford (Estreno de La conspiración)

Leones por corderos (****)
de Robert Redford y Matthew Michael Carnahan

Redford aún cree en el cine político, aún cree en el discurso por encima de la acción. Así lo demuestra en Leones por corderos, donde la guerra es el eje central pero su acción queda en un segundo plano, la de unos soldados heridos en Afganistán. El discurso queda para un veterano profesor de universidad (Redford), un congresista (Cruise) y una reportera al que concede una entrevista (Streep).



Réplicas y contrarréplicas, hechos y demostraciones, me apasiona esa forma que tiene Redford de responderse a sí mismo, sin una verdad imperante, contradiciéndose, tratando de dar más de una solución, más de un punto de vista. No se trata, por tanto, de una película del todo dogmática. Te hace pensar, y eso no es poco.

Series - Criticando, siempre criticando

The Wire [5ª temp.] (*****)
de David Simon y Ed Burns.

Quedaba por criticar la quinta temporada, y a ello voy. La última temporada de The Wire está a la altura de las circunstancias, a la gran altura que mantenía, no podía ser de otra forma.



Simon vuelve a tejer una maraña narrativa, en este caso a partir del abandono del caso Marlo (el gran jefe tras vencer sobre Stringer Bell y Barksdale) debido a la falta de financiación del ayuntamiento. Entonces aparece nuestro héroe moderno, McNulty y se inventa una gran mentira convertida en caso por un periodista ávido de ascenso. Gracias al revuelo formado, podrá financiar de manera oculta sus verdaderas intenciones, acabar con Marlo.

A partir de ahí, el final se convierte en un punto final de toda una época. The Wire ha hecho historia. Es sin duda la mejor serie jamás escrita.

Reexaminando a... Roman Polanski (Estreno de Un dios salvaje)

El escritor (***)
de Roman Polanski y Robert Harris

Polanski no esconde sus cartas. Esta película la podía haber firmado Hitchcock sin inconveniente alguno: Un hombre bueno envuelto de repente en una oscura conspiración, unos malos que lo parecen y otros que no, una situación que se complica casi sin darnos cuenta.



Ewan McGregor es el Cary Grant de turno y es contratado para escribir la autobiografía de un exprimer ministro británico, enorme Pierce Brosnan en ese álter ego de Tony Blair, hombre de pocas ideas pero llevadas hasta el final, pelele dirigido por otros que parece no darse cuenta.

En medio, y como distracción, la guerra y sus consecuencias, una playa perdida, una lluvia incesante. Polanski consigue hilvanar al estilo Hitchcock todos los elementos del guión y resarcirse de Oliver Twist. Literatura, política, conspiración… qué más se puede pedir.

Reexaminando a... Jesse Eisenberg (Estreno de 30 minutos o menos)

La red social (****)
de David Fincher y Aaron Sorkin

Fincher y Sorkin reconstruyen la idea de Facebook y la convierten en película. Desde el origen de todo (el proyecto de los Winklevoss), pasando por la financiación, la rivalidad, la expansion… una clase maestra de cómo triunfar, algo que tanto le gusta mostrar a los americanos: el camino del éxito en unos pocos pasos.

Pero ojo, todo a partir de una chica, como cualquier buena historia, la acción se origina con el despecho. Del desamor a la popularidad, un pequeño recorrido, sólo hace falta crear la mayor red social. Una vía para todos los que sufren (sufrimos) de desamor.



Eissenberg crea ese Zuckerberg brillante y vulnerable a la vez, ególatra y débil. Una difícil dualidad que hace de su personaje aún más creíble. Como dice Sorkin “Sinceramente, creo que Mark Zuckerberg se ve a si mismo como un genio. Uno de esos genios que, por mucho que se lo expliquen una y otra vez, se ven incapaces de entender por qué las chicas no se van con ellos y sí, en cambio, con otros tipos un poco menos inteligentes.”

Musicineando - The national & John Slattery

Y aquí está el gran Roger Sterling, que de Mad Men parece pasarse al Ala Oeste de la Casa Blanca, en la canción Conversation 16 de The National. Si Don Draper te viera.

Rexaminando a... Nani Moretti (Estreno de Habemus Papam)

Caos Calmo (***)
de A.L. Grimaldi, Nanni Moretti, Laura Paolucci y Francesco Piccolo

Cómo afrontar la pérdida de un ser querido es un tema recurrente en el cine. Moretti responde con la rutina, con la tediosa rutina que nos libra de preguntarnos el porqué de las cosas.



Ahí está su personaje envuento en un halo de pereza, buscando la paz en la puerta del colegio de su hija. Un lugar seguro donde nada malo pueda volver a pasar.

Poco a poco se abre al mundo. Como en la niñez, poco a poco va redescubriéndose, recordando su pasado, su modélica o no tan modélica actitud. Sobreviviendo al rencor. Todo encaja. Todo es esperar.

Series - Criticando, siempre criticando

Carlos (***)
de Olivier Assayas y Dan Franck

Se trata de la biografía del terrorista internacional más buscado en los 70 y 80: Ilich Ramirez Sánchez, Carlos, El chacal. Miniserie, serie o película, no sabemos el formato pero sí su desarrollo. “No era suficiente una película sino dos, y luego que con dos seguía siendo insuficiente y que había que hacer una tercera”.

Los años 70 y 80, y el mundo revolucionario no sería lo mismo sin su figura. Hasta la victoria, siempre; por la revolución, todo. Ése parece su lema, donde abarca desde el mayor de los radicalismos hasta el predominio por los intereses económicos.



A pesar de durar casi seis horas, la acción es frenética, aunque a veces decae en el interés por la sobreexposición excesiva de su figura. Un personaje fascinante, para lo malo, donde también hay tiempo para el lado romántico, aunque como dice su director: “La narración, los conflictos, el ritmo y el enfoque, así como los aspectos menos públicos del protagonista proceden de la ficción y del enigma que rodea al personaje.”

Musicineando - Delafé y las flores azules (Helena Miquel)

Helena Miquel, ahora jueza en No habrá paz para los malvados, a bailar "la canción del verano" en 1984, de Delafé y las flores azules.

Reexaminando a... Sofia Coppola (Estreno de Somewhere)

Maria Antonieta (***)
de Sofia Coppola

Sofia Coppola, amada y odiada a partes iguales, lo es más con esta Maria Antonieta, a su vez amada y odiada a partes iguales. Para algunos “obra mayor del cine actual” (Carlos F. Heredero), para otros “sorprende y deslumbra pero no perdura” (Boyero).

Se trata de una película vistosa, lujosa no sólo por lo mostrado, preciosista, colorida, fresca, ingenua, moderna. No hay duda de todo ello. Pero a veces le falta alma, como si la historia no fuera consigo, Coppola se decanta más por lo formal.



La historia de Maria Antonieta es la de una adolescente que pronto se ve envuelta en un mundo extraño, y su soledad recuerda a Lost in traslation y Las vírgenes suicidas, aunque sin la esencia de las dos anteriores. Se pierde en la frivolidad imperante, en el capricho por el capricho.

“Nunca fue mi intención hacer una película de época. He querido evitar la teatralidad y tomarme una cierta distancia hacia unos personajes que no quería que parecieran salidos de una serie de la BBC.”

Reexaminando a... Sofia Coppola (Estreno de Somewhere)

Las vírgenes suicidas (*****)
de Sofia Coppola

Sofia Coppola se estrena en el cine con un material inmejorable: la novela de Jeffrey Eugenides contiene gran parte de esa melancolía adolescente que Coppola sabe acrecentar.

La tranquilidad de un barrio residencial en los años 70 no es tal. La paz que adorna sus calles, sus robles, sus sábados por la mañana; nada es cierto para estas cinco hermanas.

Cecilia y su intento de suicidio es la punta de lanza. Pero luego se acrecentarán los problemas de las hijas del profesor de matemáticas y de una madre estricta. Los Lisbon no son una familia más, y los chicos del barrio lo saben, y se recrean en un tiempo donde el futuro era esperanzador, donde la vida aún tenía sentido.



“Se ha hablado mucho sobre las chicas todos estos años, pero no encontramos la respuesta. No importa la edad que tuvieran, o que fueran chicas. Sólo que las amamos, y que ellas no nos oyen desde fuera de esas habitaciones.”

Pasiones cinéfilas – Paul Newman

Nació en Ohio en 1925. Tras pasar por el Actor´s Studio, sus primeros trabajos fueron en teatro (Broadway) y en series de televisión. El salto al cine no fue nada bueno, El cáliz de plata supuso una gran decepción para él. Se redimió en Marcado por el odio con el papel del boxeador Rocky Graziano y dos años después, con La gata sobre el tejado de zinc, que el valió su primera nominación por el tormentosos matrimonio junto a Elizabeth Taylor.

Luego llegarían seis nominaciones más sin premio: El buscavidas; El más salvaje entre mil; La leyenda del indomable; Raquel, Raquel; Ausencia de malicia y Veredicto final. Además de los dos grandes éxitos junto con Robert Redford con Dos hombres y un destino y El golpe, ambas dirigidas por George Roy Hill.

A partir de finales de los 60, comenzó a dirigir. Raquel, Raquel, logró el oscar a la mejor película y a la mejor actriz, para su esposa Joanne Woodward, con la que compartió un gran número de películas desde que coincidieron en El largo y cálido verano. También dirigió Casta invencible o El efecto de los rayos gamma sobre las margaritas.

Newman también conoció el fracaso, como en El coloso en llamas, por lo que a partir de los 80 se refugió en directores consagrados: Sydney Pollack (Ausencia de malicia), Sidney Lumet (Veredicto final) o Martin Scorsese (El color del dinero) que le valió su primer oscar con 61 años, tras haber recibido el honorífico un año antes.

Obtuvo dos nominaciones más, por Ni un pelo de tonto y Camino a la perdición, su último papel en el cine, aunque su despedida de la actuación fue con la miniserie Empire Falls, por la que ganó un Emmy y un Globo de Oro.

Entre sus pasiones, las carreras de coches, donde tuvo un equipo profesional, la política, apoyando a los demócratas y estando en la lista negra de Nixon o la beneficencia, fundando Newman´s Own, una compañía de alimentación cuyos ingresos van a fines benéficos.

Uno de los mejores actores de siempre, capaz de hacer una comedia alocada de los Coen (El gran salto) o thrillers de Hitchcock o al estilo Hitchcock (Cortina rasgada, El premio, Harper) o dramas al estilo Tennessee Williams (Dulce pájaro de juventud).

Musicineando - Scarlett Johansson & Tom Waits

Ay, Scarlett, ahora que estás en boca de todos, y en sus pantallas, mejor recordar cuando era una estrella cool que hacía pelis con Woody Allen y cantaba canciones de Tom Waits, ésta es Falling down.

Reexaminando a... 11-S (10 años de los atentados)

Fahrenheit 9/11 (****)
de Michael Moore

Lo primero: una obviedad. Se trata de un documental de Michael Moore, con todo lo que eso supone: Sobre exposición de su (enorme) figura, exceso de protagonismo, opiniones tendenciosas, y una forma de tratar a la gente, digamos, rigurosa.

Salvado ese (gran) inconveniente, quedan los hechos. Y en la primera hora de este documental están reflejados. Con datos y más datos, Moore denuncia la exigua (y polémica) victoria de Bush en 2000 (la película para TV El recuento lo narra de manera brillante). Por otro lado, analiza lo ya sabido, las amistades peligrosas del gran imperio con Bin Laden, incluso horas después del atentado, con un trato de favor a su extensa familia.



La segunda hora es más típica de Moore. Analiza la invasión de Afganistán desde el lado de los familiares de los militares, desde la muerte de uno de ellos y los recuerdos de su madre. Más dolorosa, sí, pero también predecible. Pero esa primera hora vale mucho, Palma de Oro en Cannes incluida.

Reexaminando a... 11-S (10 años de los atentados)

United 93 (*****)
de Paul Greengrass

United 93 es la recreación del accidente del cuarto avión del 11-S. Podría ser una versión morbosa y dolorosa del momento, podría ser un telefilme de Antena 3 para las tardes. Pero no es así. Paul Greengrass consigue lo imposible. Meternos de lleno del 11-S. Los espectadores, además de espectadores, también somos los pilotos de ese avión, los viajeros o incluso también los terroristas. Y con todos confraternizamos, de una u otra forma, de manera muy diferente, a todos los entendemos.



Y aunque conocemos su final, Greengrass imprime tensión hasta el último instante. Hasta el último segundo aún creemos que ese avión no se va a estrellar, que finalmente todos se salvarán o que al terminar nos despertaremos de un mal sueño. Pero no es así, sucedió. Todos lo vimos en su momento, vimos cómo cambió nuestra historia aquella mañana de Estados Unidos.

Reexaminando a... Pedro Almodóvar (Estreno de La piel que habito)

Hable con ella (****)

de Pedro Almodóvar

Hable con ella puede que sea la película diferente de la filmografía de Almodóvar a pesar de que contiene gran parte de sus rasgos cinematográficos. Precisamente de esa conjunción, ésta es la mejor película para el que no le guste Almodóvar, por no ser 100% Almodóvar, por la mayor contención y frialdad.



Y es que de eso se trata. De contención y frialdad en las relaciones más extrañas que podamos tener. Comunicados a pesar de estar en coma, incomunicados a pesar de estar vivos. Con un Javier Cámara penosamente aspirante a una Leonor Watling oculta.

Se trata de una película original, qué menos se puede decir si es Almodóvar quien la escribe, pero con un mayor convencionalismo que agrada al espectador menos defensor de su cine. Enamorados de un sueño.

Series - Criticando, siempre criticando

Boardwalk Empire (****)
de Terence Winter

Boardwalk Empire es la historia de un gran hombre, del gran hombre, al estilo Soprano, pero trasladado a los años 20 y a la Ley seca. Aunque a veces el tono recuerda más al western, y en concreto a Deadwood (marca HBO) donde Thompson (Buscemi) es Swearengen (Ian McShine): un malo bueno tan atractivo para el espectador.

Pero no todo es Thompson, los personajes que le rodean van desde lo brillante (el federal y su obsesión sexual indescriptible) hasta lo vulgar (la mancillada Paz de la Huerta que deja de ser la amante del gran jefe).



La señora Schroeder (Kelly Macdonald) es el nexo de unión de toda esta historia. Y es que detrás de todo gran hombre hay una gran mujer, pero ésta aparece en el momento y lugar equivocados. Ella, de la liga de mujeres (en derecho del voto femenino y en contra del consumo de alcohol) parece la anti-héroe de Thompson.

Y luego están los villanos, los dobles villanos, claro, el chico de Nueva York con la ayuda de los chicos de Philadelphia. Y nuestros propios chicos también se ponen en contra. Atlantic City está en peligro, ¿podrá Thompson y los irlandeses mantenerlo?

COMBATE - Friends & Scrubs

Friends
de David Crane y Marta Kauffman
FF: 8,1
IMDB: 8,9

Scrubs
de Bill Lawrence
FF: 7,3
IMDB: 9,0

Antecedentes: Scrubs vino a sustituir en la NBC el inmenso hueco dejado por Friends. No era un reto fácil.

Puntos en común: Bill Lawrence (creador de Scrubs) llegó a participar en Friends en la 1ª temporada. En cuanto a los actores, Mathew Perry (Chandler) realizó un cameo en la 4ª temporada dirigiendo ese mismo capítulo mientras que Courtney Cox (Monica) se incorporó a Scrubs en la 9ª temporada y luego ha sido la protagonista de la nueva serie de Lawrence (Cougar Town).

Los personajes: Es la principal fuerza de ambas series. Los de Friends son como de la familia, los de Scrubs son como compañeros de trabajo. Ambas series basan gran parte de su humor en sus características. En Friends, los chistes malos de Chandler, los matrimonios de Ross, los casting de Joey, el taxi de Phoebe, las manías de Monica y los amores de Rachel. Y en Scrubs en las extrañas alucinaciones de J.D., los motes de Turk, los amores de Elliott.

La crisis: Todas las comedias sufren desgaste, y más cuando se tienen 10 y 9 temporadas respectivamente. Friends fue al final algo más ñoña, más romántica que comedia. Scrubs ha desarrollado demasiado las tramas (son muchas cosas las que le pasan a J.D.) perdiendo la irreverencia de sus principios.

Secundarios: El conserje, Todd, Ted en Scrubs. Gunther, Janice, lods padres de Ross y Monica en Friends. Circulan por ahí y lo hace más real.

Veredicto: Difícil decisión para un fanático de ambas series, pero a los puntos y por repercusión, es incuestionable que Friends tiene más peso. Victoria para nuestros viejos amigos.

Reexaminando a... La naranja mecánica (40 años de su estreno)

La naranja mecánica (*****)
de Stanley Kubrick y Anthony Burgess

Ésta no es una historia de violencia, ésta es la historia sobre la violencia, y no porque sea especialmente dura, que lo es relativamente, sino por l oque representa. La violencia más dura es la que no se ve. En este sentido, sigue la estela del Hitchcock más terrorífico. Lo importante no es lo mostrado, lo importante es la atmósfera.

Y como con las películas de Hitchcock, te identificas con el “malo” porque bien podrías ser tú en sus circunstancias. No somos tan diferentes de Álex y sus drugos. En una sociedad fría e inmoral, ¿quiénes son los culpables? Los que pegan o los que callan. El viejo tema del bien y el mal, pero llevado hasta el extremo.

Decir que Burgess y Kubrick eran unos adelantados, aporta ya bien poco. Pero eso no evita que así lo fueran. Doblemente Kubrick, pues a la valentía del discurso moral, le añade el discurso estético que marcaría épica.

Reexaminando a... Berlanga (90 años de su nacimiento)

Calabuch (***)
de Luis García Berlanga, Leonardo Martín, Florentino Soria y Ennio Flaiano

Calabuch es otro retrato español de Berlanga, aunque sin la mordacidad ni la crítica de sus posteriores Plácido y El verdugo. En este caso, Berlanga parece conformarse con el costumbrismo y no carga las tintas en exceso con esa forma de vivir tan española: el pueblo, el alcalde, la autoridad, el pillo, el faro, el viejo cine…


Como en su anterior Bienvenido Mister Marshall, una llegada del exterior lo trastoca todo, en este caso la de un científico algo perdido pero que pronto encuentra en esa forma de vida su lugar, viniendo a pacificar las turbulencias de ese precioso pueblo costero. “Retocaría muchas cosas, casi la volvería a hacer” dijo Berlanga de Calabuch, pero aún así, aún no siendo tan perfecta como otras muchas, Calabuch es descanso vacacional para nuestros ojos.

Musicineando - The whites stripes & Sofia Coppola

El plagio ha vuelto a recordarnos la colaboración entre (la gran) Sofia Coppola y The white stripes en la canción I just don't know what to do with myself donde Kate Moss danzaba de manera sensual. Ni punto de comparación con la señorita rabiosa.

Musicineando - R.E.M. & Sam Taylor-Wood & Aaron Johnson

Hace poco se ha estrenado en España el debut de la artista Sam Taylor-Wood en el cine. Con Nowhere boy retrata la adolescencia de John Lennon, interpretado por su pareja Aaron Johnson, que también interpreta el baile del vídeo (ÜBerlin) dirigido por la propia Taylor-Wood del single del último disco de R.E.M. Todo queda en familia.

Reexaminando a... Vincent Price (100 años de su nacimiento)

Eduardo Manostijeras (****)
de Tim Burton y Caroline Thompson

Aquí está Tim Burton contándonos un cuento, pero vaya cuento, cruel, tremendamente desolador con sus criaturas. Burton afinó su discurso hasta su mejor nivel en Eduardo Manostijeras. A su habitual maestría visual, se suma una historia emocionalmente perfecta: un chico desplazado de la sociedad por su pequeño gran defecto.

Retrata a la perfección la crueldad que toda persona lleva dentro, que toda persona es capaz de hacer en todo momento, siempre arropado por una socedad mezquina que le avala. La película es un perfecto muestreo de ese extraño vaivén emocional del hombre: algunas veces admirado, muchas veces ignorado, según convenga a los demás.

Y se me olvidaba, el amor, claro, ahí está también el amor que todo lo puede, el amor siempre presente, como motor para el abandono de la desolación. Pero a veces el amor no vence, a veces el cuento termina sin perdices, sin felciidad aparente. A veces la nieve todo lo cubre.

Criticando, siempre criticando

Midnight in Paris (****)
de Woody Allen

París parece haber revitalizado a Woody Allen, que firma su mejor película desde Match Point y su mejor comedia desde Todo lo demás. Sus calles vuelven a ser de postal como su Barcelona anterior, pero aquí la ciudad es mucho mejor protagonista. Porque París es el centro de su nueva historia. Más que un lugar, es una utopía: vivir como siempre se ha deseado, vivir como se debe vivir, sólo puede hacerse en París, pero no en cualquier París.

Allen sigue centrado en la moraleja: antes fue en la pasión (Vicky, Cristina, Barcelona), la búsqueda de la felicidad (Conocerás al hombre de tus sueños) o en la no búsqueda (Si la cosa funciona). Eso es quizás lo que menos interesa de esta última película: el discurso que la acompaña. La nostalgia la transmite mejor con imágenes que con esos discursos finales.



Allen consigue siempre lo mejor de sus actores, y Owen Wilson no ha sido una excepción. Wilson te hace recordar al mejor Woody Allen, no físicamente desde luego, pero sí claramente en gestos, en movimientos vuelve aquel Woody Allen que enamoraba a Diane Keaton o Mariel Hemingway.

En cuanto a los personajes, Hemingway es el más divertido, el más “alleniano” por su vis cómica. Quizás Picasso sea el retrato más tosco, dentro de que todo es muy caricaturizado, claro está, pero qué importa. Ves Midnight in Paris y cada viaje nocturno de Owen Wilson es un momento soberbio, cada fiesta de los Fitzgerald (mis preferidos) un momento único. Ojalá pudiéramos llegar a ese París, o a cualquier lugar, o a cualquier pasado, donde todo era esperanzador.

Reexaminando a... Viridiana (50 años de su victoria en Cannes)

Viridiana (****)
de Luis Buñuel y Julio Alejandro

Viridiana es una obra maestra de la perversidad, que junto con Lolita de Kubrick y Nabokov son los máximos exponentes de la perversión en un alarde de simpleza, sin tener que recurrir a lo grotesco o a la violencia física al estilo de Lars von Trier en alguno de sus trabajos.

Mayor es el mérito. Sin apenas mostrar, Buñuel lo dice todo en esta relación tío-sobrina, en la llegada de ella, en la obsesión de él. El dolor y la tragedia pueden estar en un vestido de boda, en un juego de cartas, en una última cena.

Sin duda la censura jugó un papel fundamental. En el intento de evitarla (finalmente fue censurada aunque en principio contó con el apoyo del régimen), Buñuel incita más que muestra, y hace que la imaginación juegue un papel fundamental, y la perversidad alcanza su mayor hito.

Palabra del hijo “…había un dibujante allí [en México] que hizo una caricatura en la que mi padre le deja un paquete a Franco que se llama Viridiana. Se aleja riendo y ¡Bum!, le explota a Franco en la cara. Eso hizo mi padre con esta película: meterle una bomba a la dictadura”.

Libros de cine

Conversaciones con Woody Allen (****)
de Eric Lax

Mano a mano entre Woody Allen y Eric Lax (también biógrafo de Woody Allen) donde conversan desde los comienzos de la carrera cinematográfica de Allen hasta el año 2006 (en la 1ª edición).

Con él repasa todos los pormenores de sus producciones, de sus proyectos futuros (pudiendo comprobar si finalmente llegan a buen puerto) o sobre la valía de algunos de sus filmes (vistos desde la actualidad).

Este juego temporal es lo más interesante de las entrevistas que, por otro lado, no termina de llevar bien Eric Lax, desconcertando con algunas preguntas y dejando escapar otros aspectos más interesantes. Aún así, el libro crece, y lo hace porque lo más interesante es Woody Allen, que se manifiesta abiertamente (sobre todo en el tramo final de su carrera) sobre sus actrices fetiches, sus actores preferidos, sobre los trabajos de producción, de fotografía… pudiendo entrar en ese maravilloso mundo del rodaje cinematográfico.

Lo mejor es ver su evolución. Los miedos del primerizo cuando estaba encadenado a las comedias alocadas, el sufrimiento por el paso a comedias más serias o directamente a dramas sin contemplaciones. Poco a poco fue ganando seguridad en sí mismo y empezó a trabajar libremente, lo que le ha convertido en un genio, porque, como él mismo dice, se lo pasa bien haciendo lo que hace, que podría ser mejor, con más años de preparación, pero en ese punto de su vida hay cosas que no quiere sacrificar: la familia y el partido de los Knicks están primero.

Series - Criticando, siempre criticando

Misfits (***)
de Howard Overman

Por fin unos superpoderes masivos. Ya estamos hartos de elegidos. La democracia llegó al mundo de los héroes. Todos podemos serlo, sólo hay que esperar bajo la tormenta. Porque eso es lo que ocurrió en Inglaterra, una lluvia torrencial y todo el mundo a jugar. Misfits se centra en cinco inadaptados que acaban en un centro de asuntos sociales, que en vez de solución, será el principio de todos sus problemas.

Misfits es irregular. Hay momentos muy brillantes, de ritmo espectacular, sostenido sobre todo por uno de los cinco inadaptados (el Nathan que interpreta Robert Sheedan es uno de lo mejores personajes que se ha visto en TV). Otras veces te preguntas qué diablos haces viendo esto. Situaciones poco convincentes y un argumento que no sostendría el escrutinio de un niño de 6 años.



No hay un hilo transversal que dé consistencia a la serie. La supuesta trama se pierde muy pronto y es secundaria. Los capítulos son situaciones a las que se deben enfrentar, pero sin mucho nexo de unión. Pero la verosimilitud da igual. Algunas veces te sorprende y te atrae, y otras veces te cansa y se repite. Esto es Misfits, un continuo vaivén, muchas veces brillante, otras deprimente.

Series - Criticando, siempre criticando

Sherlock (****)
de Mark Gatiss y Steven Moffat

Este Sherlock remozado y llevado a la actualidad es una versión mejorada de El mentalista, o ésta es una versión desmejorada del Sherlock original. El símil viene al caso por la exagerada inteligencia del protagonista, pero hasta ahí llega la comparación. Este Sherlock (magistralmente interpretado por Benedict Cumberbatch) es mucho más atractivo, más sugerente, más apasionado.


Sherlock vive por y para la investigación. No hay nada que escape de su escrutinio. En un mundo sobreinformado, en un Londres más complejo, Holmes es capaz de seleccionar lo importante, y lo importante no es saber sobre política, sobre astronomía o sobre presentadoras de televisión (para eso está Watson). Lo importante es la tardanza en la coagulación de la sangre o los procesos que experimenta un cuerpo tras la muerte.

Sherlock sí que sabe, y Watson le ayuda, pero Moriarty, él pone la sustancia que aviva la angustia de Holmes. Es la nicotina o la cocaína o lo que sea que se meta. Cada caso es una nueva prueba, y cada vez más difícil, todavía más. Lo imposible está por llegar. ¿Alguién podrá detener a Moriarty? Sólo Holmes puede.

Libros de cine

Tokio Blues - Norwegian Wood (***)
de Haruki Murakami

Como decía una letra de Drexler, una canción me trajo hasta aquí. Lo que pueden hacer las canciones de The beatles. ¿Cuál? Cualquiera, pero en este caso es el Norwegian Wood el que hace recordar a Toru Watanabe. Era un viaje cualquiera, una avión cualquiera, una llegada a Hamburgo como tantas otras.

Pero una canción te puede llevar de momento a la infancia, o lo que es peor, a la adolescencia. Una simple melodía te hace revivir una vieja amistad marcada por la muerte. Fue la novia de su mejor amigo fallecido años atrás la que se hace visible como los fantasmas a medianoche. Sólo aparecen en soledad, en la mayor de las tristezas:

−¿Te gusta la soledad? −Apoyó la mejilla sobre la palma de su mano−. ¿Te gusta viajar solo, comer solo, sentarte en las clases solo, apartado de la gente?
−A nadie le gusta la soledad. Pero no me interesa hacer amigos a cualquier precio. No estoy dispuesto a desilusionarme −aclaré.
Con una patilla de las gafas metida en la boca, la chica murmuró
−A nadie le gusta la soledad. Pero detesto que me decepcionen. Si te decides a escribir tu autobiografía, puedes incluir estas líneas.
−Gracias.

La escritura de Murakami es melancólica, dulce, sencilla, dolorosa. Todo a la vez como los tema que trata. Ésta es una novela de amor y muerte, de sexo y desasosiego, de canciones y libros.

A los 18 años, mi libro favorito era El centauro, de John Updike, pero cuando lo hube releído varias veces, perdió su chispa y cedió la primera posición a El gran Gatsby, de Fitzgerald, obra que continuó encabezando mi lista de favoritos durante mucho tiempo. Tomar El gran Gatsby de la estantería, abrirlo al azar y leer unos párrafos se convirtió en una costumbre, y jamás me decepcionó. No había una página de más. “¡Es una novela extraordinaria!”, pensaba. Me hubiera gustado hacer partícipes a los otros chicos de tal maravilla. Pero a mi alrededor no había nadie que leyera El gran Gatsby. Dudo que lo hubieran apreciado. En 1968 leer El gran Gatsby no llega a ser un acto reaccionario, pero tampoco podía calificarse de encomiable.

Pese a todo, conocí a una persona que había leído El gran Gatsby, y nos hicimos amigos precisamente por ello. […] Nos conocíamos de vista, ya que vivíamos en la misma residencia, hasta que un día en que yo estaba leyendo El gran Gatsby en un rincón solado del comedor. Él se sentó a mi lado y me preguntó qué leía. “El gran Gatsby”, le dije. “¿Es interesante?”, me preguntó. Le respondí que lo había leído tres veces, pero que cuanto más lo releía más párrafos interesantes encontraba. “Un hombre que ha leído tres veces El gran Gatsby bien puede ser mi amigo”.

Series - Criticando, siempre criticando

Downton Abbey (***)
de Julian Fellowes.

Downton Abbey es un culebrón de flema británica. Culebrón por basar gran parte de su argumento en las relaciones amorosas en torno a giros de guión, en malo muy malos y buenos muy buenos.

Británico con todas las de la ley por su factura impecable, por su reparto, su empaque y su sobriedad. Una especie de Mad Men de la nobleza británica, aunque sin llegar a la profundidad de la americana.



Bajo estos dos pilares, Downton Abbey no engaña y, lo que es mejor, puede atrapar a gran parte del público. Herencia, amor, héroes acorralados, villanos feroces… qué más se puede pedir. Quizás menos frialdad, más emoción.

Reexaminando a... Duncan Jones (Estreno de Código fuente)

Moon (****)
de Duncan Jones

Duncan Jones parece especializarse en la ciencia ficción, aunque viniendo de donde viene (hijo de Bowie, un dato no menor) no resulta nada extraño. Con 2001 Una odisea en el espacio como modelo (salvando los años luz de distancia) firma una película científicamente discutible pero tan fría y absorbente como 2001, consiguiendo plasmar esa misma sobriedad, esa intimidad en el desarrollo del relato, dejando a un lado los efectos especiales y los artificios propios del género.



Aquí Sam Rockwell sostiene toda la película. Él es un envidado a la Luna para extraer energía limpia. Su contrato por tres años está cerca de terminar, sin embargo, un accidente lo cambia todo. Rockwell es capaz de hacer verosímil lo insólito, doblando su esfuerzo en el juego que propone el guión. Hay mucha soledad en el espacio, ¿quién querría sacrificarse tanto? Como canta papá, “Space oddity”.

Reexaminando a... Sidney Lumet (In memoriam)

Antes que el diablo sepa que has muerto (*****)
de Sydney Lumet y Kelly Masterson

Lumet deja como testamento cinematográfico una película a la altura de su debut (Doce hombres sin piedad) y eso ya es decir. Habla muy bien de un director capaz de mantener un estilo único a lo largo de su trayectoria.

Antes que el diablo sepa que has muerto es un thriller negro en toda regla. Lumet la desarrolla y estructura como un director renovador (Tarantino, P.T. Anderson, Nolan) con saltos en el tiempo, con enfoques distintos, con una escena inicial y final que marcan todo su desarrollo.



“Dios, nunca había visto esto antes” dice Philip Seymor Hoffman sobre el guión, y no es de extrañar. Lumet convierte la película en una obsesión, en un sufrimiento continuo. Ethan Hawke y el propio Hoffman son dos hermanos que parecen ver que la única forma de salir adelante en sus vidas es la del atraco a la joyería de sus padres. Será algo limpio y seguro, pero todo lo que puede salir mal, va a salir mal. Es la familia, las obligaciones de un mundo que parece estrangular a los más débiles de espíritu. Y estos hermanos lo son, claro que lo son.

Dice Alberto Bermejo “Lumet demuestra cómo se puede manejar una alambicada intriga fatalista y unos personajes indeseables, al borde de lo siniestro, con el pulso firme del clasicismo, sin necesidad de florituras ni artificios.” Ojalá pasemos media hora en el cielo, ojalá, porque muchos, después, nos vamos a pudrir en el infierno.

Reexaminando a... Sidney Lumet (In memoriam)

Punto límite (***)
de Sidney Lumet y Walter Bernstein

Punto límite es el reverso dramático de ¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú. Aquello de “Dimitri, no te lo vas a creer” no surge ni por asomo en la película de Lumet. La comicidad desaparece, pero el punto de partida es exactamente el mismo: en plena guerra fría, unos aviones del ejército norteamericano han recibido la instrucción (por error) de atacar a los soviéticos provocando una hecatombe mundial si se llega a cumplir.

Tratar de evitarlo será el objetivo del presidente de los Estados Unidos. En la película de Kubrick era un memorable Peter Sellers. En la de Lumet el sensacional Henry Fonda, que en las mejores secuencias de la película mantiene conversaciones telefónicas con el presidente ruso tratando de salvar una situación insostenible. Es curioso cómo dos argumentos tan parecidos den lugar a dos películas tan dispares.



Porque aunque Punto límite tiene un argumento muy trillado y parte de bases ya analizadas, Lumet consigue mantener cierta equidistancia, sabe articular un discurso frío y nada patriótico y, lo que es mejor, sabe imprimir una tensión constante a lo largo del filme, horrorizándote por la posibilidad de que ocurra. La escena final bien vale su visionado. Dimitri, ¿ya han llegado?

Musicineando - Nacho Vegas & Jonás Trueba

Las canciones de Nacho Vegas son muy cinematográficas. Es una perfecta banda sonora de cualquier historia de amor o desamor. Jonás Trueba lo sabe y utiliza La gran broma final como excusa para desarrollar todas sus filias cinematográficas. Una de las canciones del año. El mejor vídeo del año.

Reexaminando a... Elizabeth Taylor (In memoriam)

La senda de los elefantes (***)

de William Dieterle y John Lee Mahin

Cuando los elefantes sueñan con Elizabeth Taylor. La senda de los elefantes es una de aventuras al estilo clásico, al estilo Mogambo o La reina de África, pero sin llegar a trascender mucho más allá de la desesperación de la Taylor ante un mundo que le es ajeno, ante una soledad y un desasosiego apabullante, donde su matrimonio no es lo que esperaba.

La esperanza toma forma de Dana Andrews, que le descubre que aún hay posibilidad, aun cuando uno ya no la espera. Y a todo esto los elefantes que se rebelan ante la invasión del hombre, que todo cree dominar, como la Taylor se rebela, ante la monotonía de un día tras otro en la nada más absoluta. Los elefantes al rescate. Los elefantes la salvaron del infierno.

Reexaminando a... Elizabeth Taylor (In memoriam)

Reflejos en un ojo dorado (*****)

de John Huston, Gladys Hill, Chapman Mortimer y Francis Ford Coppola

Pocos personajes tan fascinantes como el de Marlon Brando en Reflejos en un ojo dorado, un comandante del ejército felizmente casado con Elizabeth Taylor. ¿Felizmente casado? Parece que la Taylor atrae los matrimonios turbulentos (tanto en la realidad como en la ficción) como en La gata sobre el tejado de zinc o Quién teme a Virginia Woolf.

Pero aquí es menos evidente el conflicto, la sordidez se esconde bajo capas y capas de pose y apariencias. Porque la Taylor, insatisfecha de un Brando dócil, tiene un romance con el Coronel Morris, que a su vez tiene una esposa algo desequilibrada. Y en esto que aparece un soldado a cargo de Brando que realizará trabajos en su casa. Lo que por argumento puede ser una historia de lo más convencional, un culebrón sin sentido; se convierte en un extraño universo amoroso, de todo menos esperado, constituyendo una de las historias de amor más trágicas, de las más brillantes de la historia del cine, renovando sus cánones.

Reexminando a... Elisabeth Taylor (In memoriam)

¿Quién teme a Virginia Woolf? (***)
de Mike Nichols y Ernest Lehman

"Yo le temo, yo le temo." Elizabeth Taylor teme a la muerte, a la frustración de una vida que no es lo que esperaba, a un hijo que pudo haber sido, a ese Richard Burton que le atormenta y al que atormenta igualmente. ¿Quién teme a Virginia Woolf? es excesiva, en el lenguaje, en la sobreactuación de esos dos matrimonios enfrentados en una noche eterna de borrachera.



Es un duelo encontrado donde Burton, igualmente borracho (en su salsa) se encuentra lo suficientemente controlado como para llevarle la contraria con un supuesto sosiego, con un halo de superioridad. La misma con la que le responde Taylor, pero más directa, más descarnada, más humillante. Como contrapunto, el joven matrimonio que asiste, primero como espectador, y luego como parte fundamental de un derrumbamiento.

Reexaminando a... Manuel Martín Cuenca (Estreno de La mitad de Óscar)

La flaqueza del bolchevique (*****)
de Manuel Martín Cuenca y Lorenzo Silva

Imagina un día cualquiera, o mejor, una mañana de lunes, cuando el alma llega a los tobillos y cuesta tanto avanzar. Camino del trabajo, para el puteo diario, encerrado en el coche que ahoga tus posibilidades, con Extremoduro de fondo, como banda sonora improvisada de este desperdicio.

Pero, definitivamente, la casualidad quiso que no fuera un lunes más. Y parece que la vida adquiere otra velocidad, y el mundo es vertiginoso, y aparece ella sin pretenderlo. No hubo planificaciones, ni listas de boda, ni peticiones de mano. No hubo nada organizado, sólo, apareció María Valverde tan de repente en nuestras vidas.



La flaqueza del bolchevique juega a eso, a un mundo de casualidades, para lo bueno y para lo malo. Y Tosar se encuentra en medio de toda esa vorágine, entre sus deseos y el porvenir, entre anhelar lo prohibido y odiar lo presente. Difícil decisión.

Series - Criticando, siempre criticando

The Pacific (*****)
de T. Hanks, S. Spielberg, G. Goetzman y B.C. McKenna.

The Pacific nació como una especie de continuación de Hermanos de Sangre pero con el tiempo se merece una catalogación por sí misma, por convertirse en una miniserie referente. The Pacific se centra en la versión oriental de la II Guerra Mundial, en las batallas de EE.UU. contra los japoneses en esas islas donde hay muy poco terreno que ganar y mucho que perder.

Mucho se perdió entre la lluvia, entre la selva y la noche que parecía un enemigo mayor que el ataque sorpresa. En esas estaban los tres protagonistas: John Basilone, que por su actuación en Guadalcanal fue condecorado y llevado a EE.UU. para la promoción y financiación de la guerra (al estilo Banderas de nuestros padres de Eastwood). Eugene Sledge, que por unos problemas de corazón se incorpora a la guerra ya comenzada pero que permanecerá hasta el final, hasta cuando la victoria deja de tener sentido. Y Robert Leckie, en la que se centra el comienzo de la historia, cuando las esperanzas aún no estaban podridas.



Más allá de estos tres personajes, otros tantos con la misma historia de superación, de noche tras noche, de batalla tras batalla, muchos anónimos que cayeron en las mismas playas y que allí permanecen como nueva tierra. Hay mucho dolor en The Pacific, más que físico, sustancial, hay mucha frustración por la incomprensión de toda guerra, donde todo el mundo es capaz de hacer de todo, incluso matar. Aquí no hay buenos ni malos. En ninguna guerra los hay. Hay gente que muere, y poco más.

Musicineando - Gorillaz & Bruce Willis

No me gusta Bruce Willis, ni tampoco me gusta demasiado Gorillaz (al menos esta Stylo no es de mis preferidas), pero una colaboración entre ambos, Gorillaz con sus personajes y Bruce Willis siendo el tipo duro de siempre, merece ser revisitado.

Criticando, siempre criticando

Pan negro (***)

de Agustí Villaronga

Una manera excesivamente simplista de resumir la película sería impresionante comienzo e impresionante final, entre medias, una historia irregularmente contada. Es un resumen muy básico y probablemente injusto, pero es lo que mejor se asemeja.


Porque lo mejor de Pan negro está en sus extremos, y eso hace que con el paso del tiempo el recuerdo se vaya haciendo más grato. Recuerdas la majestuosidad de su comienzo, la frialdad de su final. Y, en general, destaca su puesta en escena, la dirección, las interpretaciones. Pero lo peor es el desarrollo de la historia, lo desdibujado de algunos personajes fundamentales, las incongruencias de un relato con buenas intenciones, pero mal hilvanado.

Este pan negro es denso, doloroso, tenso por fuera, pero la miga se ablanda, la miga deja poco sabor.

Reexaminando a... Mejor guión original, guión adaptado y director

Darren Aronofsky, por Cisne negro (director): Aronofsky resurgió con El luchador tras el fracaso de La fuente de la vida. Historia de un perdedor.

David Fincher (director), por La red social: Es el mejor director de esta era. Sus dos anteriores películas, Zodiac y El curioso caso de Benjamin Button, así lo demuestran. Escena final de Benjamin Button que se basa en un relato corto del gran Scottie.



Joel Coen, Ethan Coen, (director/guión adaptado) por Valor de ley: Podría elegir cualquier película de los Coen, pero la mejor, mejor de todas es Barton Fink, memorable.



Christopher Nolan (guión original), por Origen: Este hombre es incapaz de hacer una película simple. Memento nos lo descubrió. Obra maestra.

Aaron Sorkin (guión adaptado), por La red social: Recientemente escribió para cine La guerra de Charlie Wilson, pero en la TV es Dios, o casi: Studio 60, Sports night y sobre todo El ala oeste de la Casa Blanca, el presidente que todos queremos tener.

Danny Boyle & Simon Beaufoy (guión adaptado), por 127 horas: Sí señor, Boyle fue excesivamente reconocido por Slumdog Millionaire hace dos años.

Michael Arndt (guión adaptado), por Toy story 3: Ya tiene un oscar por aquel extraño (y maravilloso) viaje hacia Pequeña miss Sunshine.

Reexaminando a... Nominados a mejor actor

Javier Bardem, por Biutiful: Ganó el oscar con No es país para viejos, pero su primera nominación tiene muchos vínculos con Biutiful: Antes que anochezca, interpretación en castellano, sublime, exagerada, película algo irregular, nominación al canto.

Jeff Bridges, por Valor de ley: Siempre será El nota, El gran Lebowski, precisamente con los Coen.



Jesse Eisenberg, por La red social: Últimamente de moda con Adventureland (fascinante retrato de los 80) o Zombieland (terroríficamente divertida), pero su primer gran trabajo fue en Una historia de Brooklyn (The squid and the whale) donde lee a Scott Fitzgerald y canta hey jou.



James Franco, por 127 horas: Franco es Harry Osborn en la saga (ya antigua) de Spiderman.

Colin Firth, por El discurso del rey: El año anterior estuvo nominado por Un hombre soltero, pero me encanta ese silencioso misterio de su interpretación de Vermeer en La joven de la perla. Cuando la joven es Scarlett...

Reexaminando... Nominadas a mejor actriz

Annette Bening, por Los chicos están bien: Qué cruel era con Kevin Spacey en American beauty, en esa familia perfectamente infeliz.

Nicole Kidman, por Rabbit hole: No es de mis actrices preferidas, pero estaba sencillamente bien en Las horas.


Jennifer Lawrence, por Winter´s bone: No tengo el gusto de conocerla.

Natalie Portman, por El cisne negro: Si Natalie Portman se te acerca y te dice que The shins van a cambiar tu vida, lo hará, y para siempre. Fantástica en Algo en común (Garden state).




Michelle Williams, por Blue Valentine: En Brokeback Mountain era Alma, la sufrida mujer de Heath Ledger.

Reexaminando a... Mejor actor de reparto

Christian Bale, por The fighter: Está en cualquier película interesante de los últimos años, pero revisito El maquinista, donde también tuvo que adelgazar hasta el extremo de apenas existir.

John Hawkes, por Winter´s bone: Aunque sale en una de mis series preferidas (Deadwood), revisito Tú, yo y todos los demás, está fascinante peli de Miranda July, que acaba de estrenar en Berlín su segunda película.

Jeremy Renner, por The town: Revisitando En tierra hostil, gran triunfadora del año pasado (incompresiblemente, no es que sea gran cosa) donde lo mejor quizás sea su interpretación en una gran peli de acción sin alma.



Mark Ruffalo, por Los chicos están bien: Uno de mis actores preferidos, destaca en Shutter Island, en la que era el "ayudante" de Di Caprio en esa extraña investigación sobre la fuga de una interna.

Geoffrey Rush, por El discurso del Rey: Pero por muchas películas que haga, para nosotros siempre será el pianista loco de Shine.

Reexaminando a... Nominadas a mejor actriz de reparto

Amy Adams, por The fighter: Amy Adams fue por primera vez nominada a un Oscar por esa magnífica rareza que era Junebug, pero me encanta esa chica enamorada de Di Caprio en Atrápame si puedes.


Helena Boham Carter, por El discurso del Rey: Podría recuperar cualquier película junto a Tim Burton, pero qué mejor que la escena final de El club de la lucha.



Melissa Leo, por The fighter: Melissa Leo estuvo recientemente nominada por Frozen river, pero para mí siempre será la abogada esposa de John Goodman en la serie Treme.

Hailee Steinfeld, por Valor de ley y Jacki Weaver, por Animal Kingdom: No tengo nada que reexaminar. Para la primera es su primera película. La segunda ha desarrollado su carrera en Australia y no tengo el placer de conocerla.

Series - Criticando, siempre criticando

The walking dead (***)
de Frank Darabont

The walking dead sabe ser original cuando su propio planteamiento es de todo menos original. El fin del mundo (La carretera, por poner un ejemplo reciente), lleno de zombies (desde George A. Romero hasta Bienvenidos a Zombieland) donde un grupo de individuos tratan de sobrevivir en comunidad (Lost). Quizás sea esta última la mayor referencia, o la más cercana.



The walking dead es trascendente más allá de las peleas, disparos o más allá de la sangre que salpica. Vivir en comunidad parece aún más complicado que sobrevivir a los zombies. Así que se centra más en lo primero que en la violencia. Ésa puede ser su gran baza, pero las discusiones morales quedan esbozadas, a veces, de manera muy gruesa, sin demasiada hondura en unos personajes, por otro lado, muy potentes. Pero Darabont, cuando deja de ponerse romántico y ñoño, cuando no rechaza la pelea, maravilla con la tensión y las imágenes apocalípticas.

Todos nos odiamos, sí, pero no queda otra que sobrevivir.

Series - Criticando, siempre criticando

Museo coconut (****)
de Ernesto Sevilla, Joaquín Reyes, Raúl Cimas y Miguel Esteban

Museo coconut es la primera serie de corte clásico de los chicos de La hora chanante y Muchachada nui. De corte clásico en principio, sólo en principio, porque lo que menos importa es la trama clásica de toda serie, la línea argumental (alguna hay) está al servicio del sketch, así que, partiendo de una base distinta, ya no es tan diferente a sus predecesoras.



El sketch como motor pero con la limitación de tener unos personajes y lugares cerrados, pero lo suficientemente excéntricos como para dar el suficiente juego para el humor chanante. El personaje de Rosario, por ejemplo, quizás sea lo más conseguido, aunque todos están a una gran altura (Raúl Cimas es un inmenso actor).



Hay otro punto de libertad en la serie, y es la animación Maricón y tontico, obra maestra del subgénero en la que tan bien se maneja Reyes (Enjuto mojamuto, La cinta VHS, Montgomery y Clift…). Y un último factor, los cameos, los hay y muy buenos, especialmente el de Arturo Valls y Santi Capote en la entrevista de trabajo, o Kira Miró y sus problemas de baño. Chanantes del mundo, ésta es vuestra serie.

Reexaminando a... Danny Boyle (Estreno de 127 horas)

Slumdog millionaire (***)
de Danny Boyle, Loveleen Tandan y Simon Beaufoy

Ciudad de dios. Sé que es un tópico, pero es lo primero que viene a la mente tras ver Slumdog millionaire: La miseria en la ciudad, las oportunidades que surgen por el lado perverso de la vida, la vida sin posibilidad de elección, el amor a lo largo del tiempo, el dolor de la desesperanza.

Slumdog millionaire es una historia de superación a base de preguntas y respuestas, con algunas trampas (muchas) en un guión que juega con la sensibilidad del espectador. Boyle lo aprovecha al máximo y pone su maestría al servicio de la película, con los saltos en el tiempo y con la ciudad como triste proagonista, como él mismo dice “Bombay es la clave, es una ciudad tan intensa, con una pobreza extrema pero también llena de vida.”

Criticando, siempre criticando

Modern family (****)
de Steven Levitan y Christopher Lloyd

Modern family es la versión familiar de The office. Lo mejor es que no lo niega, no trata de esconder que realmente es una traslación de la oficina a la casa. Y no sólo es por el empleo del falso documental y sus miradas a cámara, es por el tipo de humor que emplea, el del bochorno, el de la vergüenza ajena ante esas situaciones extremas.

Al principio choca esa sensación, pero luego la serie va imponiendo su propio estilo en esa familia de familias, de tres familias: la pareja homosexual con una niña recién adoptada, la hermana de uno de ellos felizmente casada con el Michael Scott de la serie y, por último, el padre casado con una mujer colombiana más joven que él y con un niño intelectualmente inquieto.

Parte de esa variedad supuestamente a contracorriente para luego convertirse en una sitcom más, con su parte de moralina, que no podía faltar, pero con la suficiente mala leche como para destacar, con una comicidad asegurada a base de situaciones bochornosas.

Criticando, siempre criticando

Biutiful (***)
de Alejandro Gléz. Iñárritu, Armando Bo y Nicolás Giacobone

Iñárritu extrema su habitual discurso basado en el dolor y la frustración, por primera vez si Arriaga y por primera vez ambientada en España (tras haber analizado las miserias humanas en México, Estados Unidos, Marruecos o Japón) y más concretamente en una Barcelona anti-postal, alejada de los estereotipos, una antítesis, como ya se ha dicho, de la Barcelona de Woody Allen en Vicky, Cristina, Barcelona, también con el propio Bardem. Ahora Bardem se mueve en lo peor de Barcelona, en lo peor de cualquier ciudad, no por las personas que las habita, sino por las necesidades que pasan.



Bardem es un padre de familia al cuidado de sus dos hijos con una ex mujer y un hermano que viven más al límite que él, rodeado de todo un mundo multirracial en el que todo el mundo trata de ganarse la vida como buenamente puede. Entonces aparece Bardem como nexo de unión de todos ellos, como una especie de salvador o como un aprovechado más.

Bardem entre ellos y sobre todos, sosteniendo la película por encima de los excesos de Iñárritu, que parece recrearse en el dolor, denunciándolo pero haciendo de ello un espectáculo. Aún así, logra exprimir los sentimientos al máximo, dejando que la vida muestre su visión más amplia, y uno tome conciencia, a golpe de efecto, que la vida va más allá del día a día, la vida está en esas calles recónditas donde la supervivencia es la primera misión.

Reexaminando a... Clint Eastwood y Matt Damon (Estreno de Más allá de la vida)

Invictus (***)

de Clint Eastwood y Anthony Peckman

Mandela es indudablemente una de las figuras clave del siglo XX, así que no es de extrañar que se convierta en un icono, y en eso el cine juega un papel importante. Eastwood se acerca a Mandela a través del mundial de Rugby ganado en 1995 y su utilización como instrumento de unión de un pueblo claramente dividido adaptando el libro de John Carlin (El factor humano).




Eastwood es fiel a la narración, nada se sale de su tempo. La recreación deportiva es sorprendentemente veraz, aunque en la carga política es equidistante, quizás le falte pasión, como si no sintiera la historia como propia, como si fuera una historia más, y no lo es, Invictus representa una hermosa oportunidad de un país.

Mención aparte merece Morgan Freeman en el papel de Nelson Mandela, o Nelson Mandela es Morgan Freeman, uno ya no sabe. Pero su interpretación va más allá del aspecto físico, son sus expresiones, sus emociones, su dignidad manejando la oportunidad de un país de salir a flote.

Musicineando - Paul McCartney & Natalie Portman

Como aún no se ha estrenado la película de Aronofsky con la que ha ganado el Globo de oro, buen momento para recordar a Natalie Portman bailando para Paul McCartney en Dance tonight.

Musicineando - Arcade Fire & Spike Jonze: The suburbs

Spike Jonze se mueve del cine al video musical sin problema alguno, cosa que mezcla en The suburbs, clip para Arcade Fire que procede de un corto rodado expresamente para el disco llamado "Scenes from The suburbs"

Reexaminando a... Borja Cobeaga (Estreno de No controles)

Pagafantas (****)
de Borja Cobeaga y Diego San José

Pocas comedias españolas han supuesto un verdadero soplo de aire fresco en nuestro cine como el debut de Borja Cobeaga con Pagafantas. Alejado por completo de las nuevas españoladas que abusan de la cara conocida y el superfluo modo de ser, Cobeaga se centra en los modos formales de la comedia. Está claro que no inventa nada cuando apuesta por la repetición de situaciones (Bunbury), los contrastes, o por el personaje eternamente perdedor en una especie de Woody Allen vasco que tan bien encarna Gorka Otxoa.



El guión es todo lo perfecto que se puede pedir a un primer largometraje, con algún cabo suelto, pero con los toques chanantes propios de su generación, con unos personajes perfectamente diseñados y unos actores que destacan por no destacar, por haber nacido para el papel que son y no parecen representar. Cobeaga, Vigalondo, Chapero-Jackson... en vosotros confiamos

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