II Guerra Mundial: Lo que ya ha sido y lo que queda.

El 70 aniversario del comienzo de la II Guerra Mundial parece haber incentivado (aún más) el interés del cine en su interior y alrededores. Si ya se han estrenado El lector, El niño con el pijama de rayas, Valkiria, Mein Führer… aquí llega unas cuantas más.

Malditos bastardos de Quentin Tarantino.

Milagro en Santa Anna de Spike Lee.

Katyn de Andrezj Vajda.

Dead Snow de Tommy Wirkola con nazis zombies!!

El lazo blanco de Michael Haneke, ganadora de la Plama de Oro en Cannes.

Tarantino español

Tarantino se declara muy cercano a nuestro país y no suena a mera cortesía: “Siento un gran afecto por España. Aunque suena a tópico, siento una enorme admiración por Pedro Almodóvar, es uno de los artistas internacionales más importantes de los últimos treinta años. También soy un gran admirador de la obra de Carlos Saura."

"Y hay una película que siempre me ha fascinado, El espíritu de la colmena, una verdadera obra maestra. No quiero olvidarme de Antonio Isasi, director de la excelente Un verano para matar (1972). Y también me encanta Eugenio Martín, uno de los grandes del spaghetti western. Si alguien no ha visto El precio de un hombre (1967) o Horror Express (1972), con Peter Cushing, no debería perdérselas. Y por supuesto Jess Franco, un cineasta excepcional y un amigo muy querido”.

Juan SARDÁ - El Cultural.

Reexaminando a… Elia Kazan - Centenario Kazan -

Un tranvía llamado deseo (*****)
de Elia Kazan y Tennessee Williams.

Stellaaaa!! Sólo un nombre, pero esa escena pasará a la historia del cine, como la revancha intelectual de una mujer contra la superioridad física del hombre (Kim Hunter contra Marlon Brando). Kazan lleva al cine la obra de teatro de Tenneessee Williams que él mismo se encarga de adaptar. Marlon Brando es Stanley, casado infelizmente con Stella y viviendo en la calurosa Nueva Orleáns (marca de la casa de Williams). Allí llega Blanche (Vivien Leigh) hermana de Stella que transformará la visión de ésta ante la desesperación de Stanley por descubrir su extraño pasado.

Los secretos, la falsedad, la apariencia, la locura, el poder o incluso la lucha por unas tierras, temas tan habituales en Williams, sobrecoge especialmente en Un tranvía… por la atmósfera opresiva de violencia verbal y física desatada en medio de un vecindario que se asfixia.

Pasiones cinéfilas – Aaron Sorkin

Escritor empedernido, creador de tres magnícas series y guionista de unas cuantas películas de discursos imponentes, Sorkin parece haber nacido para el ritmo, con esos diálogos afilados a tanta velocidad que uno requiere de gran retentiva para captarlos.

En cuanto a las series, primero fue Sports night, con Peter Krause y Felicity Huffman donde narraba las vicisitudes de una redacción de un programa deportivo nocturno de una televisión norteamericana. Este mismo hilo argumentativo seguía en su última serie, Studio 60, lamentablemente cancelada por la NBC a pesar de su gran calidad. En ésta, Sorkin reflexionaba sobre el papel de un programa cómico en la sociedad, a través de un humor políticamente incorrecto que conllevaba la reflexión sobre una sociedad americana moralista y conservadora.

Su gran éxito fue El ala oeste de la Casa Blanca, y sus 7 temporadas sobre la Administración Bartlet, a modo divulgativo, enriquecedor, creativo y esperanzador sobre los designios de EE.UU. (y del mundo por extensión) diseñada en la Casa Blanca. Con altibajos, por la propia marcha de Sorkin en algunas de sus temporadas centrales, se ha convertido en un referente de las series norteamericanas.

Momento para resaltar los puntos autobiográficos. La marcha de Sorkin de El ala oeste fue provocada por los problemas de éste con las drogas, provocado a su vez por el ritmo de escritura excesivo y por la necesidad que tenía Sorkin de controlar todo el proceso creativo. Estos mismos problemas se desarrollan en Studio 60, siendo Matthew Perry una especie de Sorkin en la sombra, que a modo de terapia, parece haber recuperado una de las plumas más afiladas de la sociedad norteamericana.

En el cine, siguió con su vertiente política con el guión de La guerra de Charlie Wilson, y anteriormente, con El presidente y miss Wade. Ahora prepara algunos cuantos guiones con muy buena perspectivas de futuro (para David FIncher, para Brad Pitt, para Ben Stiller como director…). Sorkin resurgió de sus cenizas, con más mordacidad que nunca.

Series - Criticando, siempre criticando

El mentalista (***)
de Bruno Heller.

El Mentalista comienza con un primer capítulo soberbio, donde se da a conocer a la brigada criminal de California, y con ellos un asesor, el famoso mentalista del título (Simon Baker, igual de bien que en El guardián).

Ese primer capítulo fantástico se repite a lo larde la temporada, manteniendo las mismas constantes: unos primeros sospechosos, algo de acción y una resolución inesperada que de habitual se convierte en esperada con el paso de los capítulos.



A pesar de ello, no hay que restar méritos a unos guiones precisos, a una realización perfecta aprovechando los paisajes de California y a unas interpretaciones solventes.

Heller, tras Roma y su cancelación, apuesta ahora por la comercialidad, pero con buen gusto.

Series- Criticando, siempre criticando

Breaking bad (*****)
de Vince Gillian.

Otra obra maestra nos deja la televisión (norteamericana, claro) y ya van tantas. Otra vez el mundo de la droga, pero lejos del mundo realista de The Wire y del frívolo de Weeds. Aquí las formas remiten inmediatamente a los hermanos Coen, con esa sensación de cómo se ha llegado hasta este esperpento sin habernos dado cuenta.





La historia narra las desventuras de Walter White, un profesor de química al que se le descubre un cáncer y quiere dar un giro a su vida dedicándose a producir droga junto a un ex alumno suyo, ganando un dinero con el que poder pagar la terapia.

El guión es soberbio, con el uso puntual uso de flash-forward que redundan en ese “cómo es posible” que siempre está presente en el relato, marcado por la difícil distinción entre aquello que supuestamente está bien de lo que está mal.



Los actores están soberbios, especialmente los principales Bryan Cranston y Aaron Paul, que parecen haber nacido para el papel haciendo esa interpretación memorable de perdedores con orgullo, que por una vez quieren alcanzar la gloria.

Series - Criticando, siempre criticando

Entourage (****)
de Doug Ellin.

Hollywood revisitado una vez más, pero ahora diferente: formato serie, mordaz, ácida, directa, sin necesidad de corrección.

Doug Ellin apuesta fuerte y narra las maravillas y miserias de Hollywood a través de una estrella en ciernes (Vincent Chase) y de su séquito de amigos: Johnny Chase “Drama”, su hermano y actor olvidado; Eric Murphy, su mejor amigo y representante; y Tortuga, chófer oficial o proveedor de marihuana. A todos ellos se les une el personaje estrella: su representante, Ari Gold (Jeremy Piven en un papel que le ha proporcionado tantos premios como reconocimiento).





La carrera ficticia de Vincent se cruza con personajes propiamente ficticios y reales, lo que le da un tono diferente de docu-reportaje de alto standing: Jessica Alba, Scarlett Johansson, Paul Haggis, James Cameron, Mandy Moore. Y la carrera de este Di Caprio del futuro: Head on, Aquaman, Queen´s Boulevard, Medellín… que por lo descrito, dan ganas tantas de ver como cualquiera verdadera.

Los guionistas aciertan con el ritmo (25 minutos que se hacen cortísimos) y con las tramas, sin prisas por cerrarlas y con capacidad de cruzar argumentos y personajes, lo que le da una vistosidad al alcance de muy pocas. Apoyándose además en unas interpretaciones más que solventes (impresionante Kevin Dillon), unos diálogos vibrantes y una ciudad que se presenta como divertimento. Una obra maestra moderna.

LUGARES COMUNES - Vietnam (3)

El cazador (*****)
de Michael Cimino, Deric Washburn, Louis Garfinkle y Quinn K. Redeker

Si El americano impasible es el Vietnam antes del Vietnam, si Apocalypse Now es el Vietnam durante el Vietnam, El cazador se centra en las consecuencias del Vietnam. Pero va más allá y utiliza Vietnam como pretexto para narrar el horror que la guerra provoca en el ser humano.

Aquí la historia es más humana que bélica. Para ello, y durante sus majestuosas 3 horas nos muestra a unos amigos antes y después de la incursión de algunos de ellos como soldados en la guerra.

La primera hora (puede parecer demasiado, pero necesario para que la frustración que nos provoca sea mayor) vemos la felicidad hecha a medida de estos obreros ávidos de divertimento. La segunda hora es un Vietnam en particular, aquél en el que la crueldad alcanza su máxima expresión a través de la ruleta rusa y de las apuestas que se genera en torno a ella. De cómo los soldados prefieren disparar a seguir aguantando aquel infierno. La tercera hora es la vuelta a casa, pero ya nada es lo mismo, ni la rutina, ni la amistad, ni el amor, ni la caza. Algo se quedó en Vietnam que seguirá en podrido dentro de todos ellos.



Pocas veces se ve una interpretación tan majestuosa como la de Christopher Walken aquí. De Niro y Streep están a su altura habitual, pero Walken consigue impactarnos en algunas de las escenas más recordadas en la historia del cine.

LUGARES COMUNES: Vietnam (2)

Apocalypse Now (*****)

de Francios Ford Coppola y John Milius.

Si hablamos de Vietnam en guerra, eso es Apocalypse Now, una guerra muy especial, desde otro punto de vista, adaptando la historia de Joseph Conrad y su El corazón de las tinieblas, narrando el recorrido del Capitán Willard (Martin Sheen) del ejército estadounidense al que se le ha encargado cruzar río arriba hasta Camboya para matar al coronel Kurtz (Marlon Brando), retirado en la selva, creyéndose un Dios al que veneran sus súbditos.

De una historia aparentemente simple, Coppola convierte cada peripecia de Willard en una experiencia vital, llenando de simbolismo el metraje, no sólo narrando el horror, sino convirtiendo su película en un horror que experimentar, unida a una reflexión belicista de la condición humana, siempre prepada para la guerra. Obra maestra.

LUGARES COMUNES - Vietnam (1)

Empiezo una nueva ¿sección? en este ¿blog? No tengo ni originalidad para inventarme el nombre y se lo pido prestado a Aristarain. Lugares comunes va... de eso, de lugares comunes en el cine, empezando por Vietnam.

El americano impasible (****)

de Phillip Noyce, Christopher Hampton y Robert Schenkkan.

Basada en la novela de Graham Greene y remake de la adaptación de Mankiewicz del mismo título, El americano impasible narra el triángulo amoroso entre un periodista inglés (Michael Caine), una joven vietnamita (Do Thi Hai Yen) y un americano (impasible Brendan Fraser) en el Vietnam antes del Vietnam, es decir, al Vietnam previo a la incursión americana.



La firmeza de la historia de amor está basada en la excelencia de los actores: qué tipo tan raro Brendan Fraser capaz de elegir grandes papeles (Dioses y Monstruos) con pestiños considerables (La momia). Qué excelente Michael Caine (como siempre) como ese periodista desencantado con Occidente, deseoso de una cultura ajena.

La historia de acción es abordada como thriller, absolutamente solvente con un misterio (el del americano impasible) pendiente constantemente de resolver, llevándonos por caminos del Vietnam que posteriormente se convertirá en infierno.

Reexaminado a… Hayao Miyazaki.

El viaje de Chihiro (****)
de Hayao Miyazaki.

“Tenemos que estar abiertos a los poderes de la imaginación, siempre aportará algo útil a la realidad”. En esta frase Miayazaki expone sus principios en cuanto a la producción cinematográfica. Si hay una palabra para describir su cine, ésa sería fantasía, partiendo de un mundo extraño y bello, que entronca siempre acertadamente con el mundo real, creando una fábula a la vez divertida y reflexiva acerca de todo lo que nos rodea.



Y eso es también El viaje de Chihiro, la película que lo consagró, junto a La princesa Mononoke (anterior) y El castillo ambulante (posterior) formando una trilogía que marcará una época en una animación dominada por la perfección técnica del que Miyazaki rehuye sin que por ello deje de ser bello.

En el viaje de Chihiro narra la historia que en pleno viaje junto a sus padres se adentra en un mundo misterioso, donde sus padres son convertidos en cerdos y ella, a partir de ese momento, tendrá que aprender a integrarse a todo lo que es ajeno, a una serie de personajes salidos de una imaginación radiante. Una Alicia en Japón.



Aquí no existen, y es de agradecer, buenos ni malos, cada personaje aporta un matiz a esa polaridad. Ni tampoco existe una moraleja que sorprenda a la protagonista, sino que es ella, y con ella nosotros, los que la descubrimos sin que sea autoimpuesta, como es tan habitual en Hollywood. Un pequeño oasis entre tanta saturación de banalidad.

“No creo que los adultos deban imponer su visión del mundo a los jóvenes, creo que ellos tienen capacidad suficiente para crear su propia visión”. Palabra de Miyazaki.

Pasiones cinéfilas – January Jones

A January Jones cuesta verla alejada del papel de esposa acomodada de Don Draper en Mad Men. Y aunque en la segunda temporada se rebela ante esa seguridad, es imposible dejar de ver la imagen de madre reposada, cigarro en mano, arropada por lujos de la época. Sin embargo, fuera de su personaje, se ha convertido en objeto de revistas y miradas.

Como su personaje, January comenzó como modelo; y como su personaje, lo abandonó. En la serie por Don, en la realidad por el cine. Y aunque sus papeles (secundarios) no fueron del todo acertados: American Pie, Dirty Dancing: Havana nights… poco a poco fue seleccionando mejor sus papeles, y difuminándolos más en el tiempo. Primero en Los tres de Melquíades Estrada de Tommy Lee Jones y Guillermo Arriaga, y ahora en la actualidad, en la televisión, con apariciones en Ley y Orden, y un papel protagonista, y vaya protagonista, en Mad Men.



En la actualidad, tiene pendiente de estreno Radio encubierta (The boat that rocked), junto a Phillip Seymor Hoffman, y dirigida y escrita por Richard Curtis, el guionista, entre otras, de Bridget Jones o Love actually (de la que también participó January).

De belleza relajada, para nada artificial, January convierte cada plano en la que aparece en un motivo para la recreación.

Reexaminando a... Raymond Chandler

Extraños en un tren (***)
de Alfred Hitchcock, Raymond Chandler y Czenzi Ormondi.

Dos extraños se conocen en el tren. Un afamado tenista y un admirador. Éste, sabedor de la situación personal del tenista (problemas con la separación de su mujer) le propone un intercambio de asesinatos. Sólo Hitchcock y Chandler (basándose en la novela de Patricia Highmith) podía poner un punto de partida tan fascinante.

Lástima que la tensión de esa primera parte no se mantenga el resto de la película. Porque la película se aleja demasiado pronto de los dilemas morales y se convierte en un thriller (magistralmente rodado), pero al que se le podía haber sacado mayor partido.

Series - Criticando, siempre criticando

True Blood (***)
de Allan Ball.

Era muy esperado el regreso de Allan Ball a la TV tras “A dos metros bajo tierra” y en True Blood ha repetido los mismos temas (muerte, droga, homosexualidad) pero con muy diferente forma, y es aquí donde no llega al nivel de A dos metros. La idea es muy interesante: la comunidad de vampiros sale a la luz (metafóricamente) y pide un reconocimiento en el mundo actual, y Ball centra el relato en la sociedad sureña de EE.UU. donde las tradiciones se mantienen arraigadas.

Mientras que los ciudadanos no toleran este reconocimiento, los vampiros tampoco parecen adaptarse, a pesar de la sangre embotellada que lo sustituye a la natural y de un grupo de presión que trabaja en el ámbito político. Una serie de asesinatos en el pueblo los ponen en sospecha. Pero como toda historia que merezca ser contada, falta la historia de amor, en este caso Bill (fantástico Stephen Moyer), que se siente atraído profundamente de una humana Sookie (Anna Paquin). Ambos son incomprendidos por sus respectivos ámbitos.



De la idea a la práctica hay algo que falla: la idea se plasma con algunos diálogos, situaciones y escenas demasiado burdas. Luego hay diálogos, situaciones y escenas que maravillan (gran factura visual). Y en la irregularidad es donde la serie pierde.

Series – Criticando, siempre criticando

Mad Men (*****) [2ª temp.]
de Matthew Weiner.

Weiner va sobre seguro en la 2ª temporada de Mad Men. Agudiza las relaciones personales, acrecienta los temas políticos (Cuba, Kennedy) y sigue dejando en segundo plano el mundo de la publicidad, de nuevo como excusa para describir a esos tipos de traje y corbata, que se siguen pudriendo por dentro, ambiciosos de poder y sexo.



De nuevo sobre Jon Hamm recae todo el peso de un protagonista que parece darse cuenta de su error, pero ya es tarde. Ahora Betty (fantástica January Jones) toma el mando de la situación y se revela ante una sociedad injusta con las mujeres. Como lo hace Peggy Olsen (Elisabeth Moss) escalando puestos en una organización machistas.



No nos podemos engañar, Mad Men es un culebrón, con todos los ingredientes clásicos, engaños, amores no correspondidos, venganzas, infidelidades, embarazos… pero es un culebrón tan bien contado que apenas te das cuenta y te dejas llevar. Como si Fitzgerald (referenciado varias veces en la temporada) fuera el que firmara el guión, al que se le acusa de escribir sobre nada, pero ¿y lo bien que escribía sobre esa nada? Eso es Mad Men. Parece que no pasa nada, pero terminado los 45 minutos te encuentras de golpe con la realidad.

Examinando a... Raymond Chandler

Aprovechando el cincuentenario de la muerte de Raymond Chandler, buen momento para el repaso de las películas que se basaron en sus libros o las películas que directamente él guionizó.

El sueño eterno (****)
de Howard Hawks, William Falkner, Leigh Brackett y Jules Fruthman.

De la mezcla Hawks, Faulkner, Chandler y Bogart no puede salir un Phillip Marlowe malo. En absoluto. Bogart será el mayor y mejor representante de este detective salido de la mente de Chandler y tantas veces plasmado en el cine. En El sueño eterno (The big sleep) Marlowe es llamado por el patriarca de una familia para investigar los problemas de sus hijas.

Pero como toda investigación, la trama irá a más, y la relación de Marlowe con una de las hijas (Bacall) también. Sus diálogos son de lo mejor que se ha podido escuchar nunca, y aunque la trama es enrevesada y acabas perdiéndote, bendita desorientación si los oídos siguen oyendo hablar de una forma tan lúcida.

Criticando, siempre criticando

Gran Torino (****)
de Clint Eastwood, Nick Schenk y Dave Johannson.

Otra vez una reflexión sobre el desencanto de un hombre acerca de la sociedad que le rodea. Recuerda a No es país para viejos, o a En el valle de Elah, o a Los tres entierros de Melquíades Estrada, curiosamente, o no tan curiosamente, las tres interpretadas por Tommy Lee Jones.

Pero en este caso es Eastwood el desencantado, y aquí Clint Eastwood hace de Clint Eastwood, del clásico, de aquél que no avisa dos veces. Y bien que lo deja patente, demasiado pues chirría a veces, desde el comienzo de la película. Racista, malhablado, cruel… y sin embargo se le quiere como personaje. Pero luego cambio, o eso parece, y todo a partir del frustrado robo de su Gran Torino, de la paternidad que ejerce sobre el chico asiático que trató de robarlo, de la sed de venganza por la pérdida de identidad de su barrio.

Y poco a poco Eastwood va dejando de ser Eastwood convirtiéndose, ahora sí, por influencia católica (tufillo que no termino de asimilar), en todo un referente para el pueblo que lo rodea, el que se sacrifica por el bien ajeno.

La idea es buena, la dirección y el ritmo magistrales. Los diálogos, sobre todo al comienzo, desafinan, con un tono cómico totalmente prescindible. A veces se excede con las reflexiones de Eastwood a todas luces innecesarias, fácilmente sustituibles por las imágenes y sus gestos. Pero aún así, sobrecoge, no sorprende pero estremece, dejando bien a las claras que Eastwood (con permiso de Lumet) es el último gran clásico que queda.

Reexaminando a… Guillermo Arriaga.

Los tres entierros de Melquíades Estrada (****)
de Tommy Lee Jones y Guillermo Arriaga.

Arriaga vuelve a firmar un guión desestructurado pero no coral, lo que la diferencia de la trilogía hecha con Iñárritu. Aquí apuesta por una única historia a partir, eso sí, de un suceso principal, marca de la casa Arriaga. En este caso, el asesinato de Melquíades Estrada, cuyo amigo (Tommy Lee Jones) trata de dar un entierro digno.

Tommy Lee Jones sabe imprimir la desolación del guión en la pantalla, y se reserva el papel principal que también lo ha tenido en otros papeles como No es país para viejos o En el valle de Elah. La del hombre desesperado ante la crueldad de la sociedad que le rodea, de la no comprensión de cómo se ha llegado a este punto. Y Jones lo borda.

Reexaminando a… Fernando Meirelles

Ante el estreno de Blindness (me niego a llamarlo A ciegas), aprovecho para repasar la corta, pero fantástica filmografía de su director.

El jardinero fiel (****)
de Fernando Meirelles y Jeffrey Caine

John LeCarré es un filón para el cine, y con muy poco que le aportes a sus novelas, sale siempre una película interesante. Y así lo hace Meirelles ayudado de Jeffrey Caine en el guión, y por qué no decirlo, de Alberto Iglesias en esa banda sonora fantástica, que convierte a El jardinero fiel en un thriller que va mucho más allá del mero entretenimiento.

Porque detrás de toda la acción intenta mostrar una realidad cruel. Y aunque la denuncia queda tapada y no es expuesta con claridad y sin ambigüedades, al menos lanza la pregunta, incentiva en la búsqueda y deja patente (nunca mejor dicho) las injusticias de las farmacéuticas en el tercer mundo. Fantásticos y sobrios los actores elegidos: Ralph Fiennes y Rachel Weisz.

Examinando a... David Fincher

Zodiac (****)
de David Fincher y James Vanderbilt.

El asesino del Zodiaco según Fincher no podía ser otra película más del género. Fincher apuesta por la sobriedad para analizar los asesinatos en serie que entre los años 1966 y 1978 se produjeron en San Francisco, cuando se convirtió en todo un fenómeno público debido al envío cartas con pistas, a modo de juego, a los medios de comunicación, por parte del asesino.



Podría haber caído en lo fácil, en el morbo, en el asesinato, y sin embargo apuesta por la investigación, la obsesión y el drama. Como si del propio Robert Graysmith fuésemos, Fincher nos confunde en la investigación, nos lleva por el mal camino, nos pone trampas en todo momento. Y siempre caemos, y siempre queremos saber más. Así que la sensación final es desconcertante, como lo fue para Graysmith. Y he ahí la virtuosidad que demuestra una vez más Fincher, que se apoya en los clásicos del género, y especialmente en Todos los hombres del presidente, de Alan J. Pakula, del que toma claros referentes, para convertirlo en una obra de similar nivel.

Examinando a... Danny Boyle

Resaca de los Oscar: Curiosa nómina de directores nominados, los a priori fuera del mundillo de Hollywood: Danny Boyle, David Fincher, Darren Aronofsky. Repasamos sus anteriores películas antes de llegar a tocar el éxito.

Sunshine (***)
de Danny Boyle y Alex Garland.

No voy a ser nada original con la crítica de esta película. Vuelvo a reiterar lo ya reiterado: Sunshine brilla (perdonen la expresión) durante gran parte, pero luego se desvanece sin remedio, dejándonos con la sensación de una oportunidad perdida de haberse convertido en todo un clásico del género, que aún así, lo será.

Los primeros minutos son todo un espectáculo, no sólo visual y de efectos especiales, sino en la presentación de los personajes, en la exposición de la trama, en la incertidumbre y el misterio que rodea a la segunda expedición para reavivar el sol apunto de extinguirse. El aspecto psicológico marca gran parte del metraje, y eso se agradece.



Pero luego al guionista le entraron las prisas y todo el tiempo que parece haberle dedicado a esa magistral primera parte, se lo niega a la segunda, que parece haber sido escrito por algún niño con fantasías del espacio. Nada parece claro, no sabemos qué pasa ni hacia dónde nos dirigen, como si de los propios tripulantes de la nave tratásemos. Una lástima, aunque ya nadie podrá borrar de nuestros ojos la magia del sol que brilla, como la película, pero cada vez más apagado.

Ciclo El Mundo - Periodismo

Historia de un crimen (***)
de Douglas McGrath.

Coincidencia o no, la comparación con Capote de Bennett Miller es inevitable. Y aunque hay opiniones que consideran lo contrario, para mí es ciertamente mejor la segunda. Y eso que Historia de un crimen, de la que aquí hablo, narra punto por punto los mismos hechos, pero no imprime la tensión que queda patente en Capote, en parte por la majestuosa interpretación de Phillip Seymor Hoffman, en parte por la dirección de Miller.

Sin quitar mérito ni a Toby Jones ni a Douglas McGrath, ni por supuesto a una sorprendente Sandra Bullock, ni a un siempre extraordinario Daniel Craig. La película sabe reflexionar, conmover, emocionar. Muy por encima de la media, Historia de un crimen merece ser revisitada siempre, para así no olvidar que la crueldad sigue ahí aunque ya no sea tan patente.

¿Saturday?

¿Realmente era necesario? Ya han copiado Damages (Daños y perjuicios), ahora Saturday Night Live, aunque al menos reconocen el origen, ¿pero era necesario? La respuesta es, claramente, no. En la copia salimos perdiendo, y mucho. Y eso que los dos primeros sketches del programa que vi eran literalmente una copia de los originales, pero ni aún así funcionaron. Problema: los actores. No nos podemos comparar con Bill Murray, Chevy Chase, Will Ferrell, Tina Fey o John Belushi, entre los muchos que por allí han pasado.

Y en cuanto a los invitados, empezando por un Antonio Resines que más parece su personaje de Los Serrano, con, ojo a la nómina, Fran Perea, Nuria Roca y El canto del loco como grupo invitado. Claro, comparen con, por ejemplo, de la última temporada estadounidense: Coldplay, The killers, Duffy, o Michael Phelps, Josh Brolin o John Hamm como presentador. Señores de Cuatro, pongan el original con subtítulos como hace Canal + y os ahorraís un gasto y esfuero innecesario.

Vergüenza ajena.

Afortunadamente no vi el primer capítulo de Acusados, una nueva serie española (con estos dos calificativos, serie y española, ya sabemos que no hay que verla), pero sólo cinco minutos de su visionado me permitieron asegurar que, efectivamente, es una absoluto plagio de Daños y Perjuicios.

Cosas que vi: Blanca Portillo con cara de mala leche (Glenn Close). José Coronado jugando al golf con varios a su alrededor de chaqueta y corbata (el malo, o sea, Frobisher), un flash forward (eso he aprendido ahora) de cómo se asesina a una de las protagonistas (comienzo del primer capítulo de Daños y Perjuicios), y ya no pude más y vomité la cena. Por favor, detengan a ese guionista.

Pasiones cinéfilas - Daniel Brühl

Daniel César Martín Brühl González Domingo. Bajo todo este nombre se esconde sólo una persona. Daniel Brühl, actor ¿alemán?, ¿español? Europeo, para simplificar, porque aunque sus comienzos fueron en Alemania (Boxing y Goodbye Lenin) y ahora parece adentrarse en el cine español (Salvador y Un poco de chocolate), su filmografía recoge títulos de cintas británicas (La última primavera), francesas (Feliz Navidad) o directamente coproducciones (Cargo).

También Hollywood ha llamado a sus puertas (Inglourius bastards, la nueva de Tarantino es lo más sonado en su futuro), aunque como dice Brühl “No me interesa el cine que no tenga mensaje. Una película que no me aportara nada como espectador, no la quiero rodar como actor” Quizás por ello parece tomar las riendas de su futura carrera, con previsiones de firmar un futuro guión (ambientado en Sudamérica) y, quién sabe, dirigido por el realizador alemán Hanno Brühl (su padre y la parte de alemán que Brühl tiene. Lo sentimos por la Eurocopa al 50%.

Colección El Mundo - Cine de Periodismo

Primera plana (*****)
de Billy Wilder, I.A.L. Diamond - (Obra de Ben Hecht y Charles MacArthur)

Billy Wilder vuelve a filmar la comedia perfecta (y van tantas) reelaborando la “Luna nueva” de Howard Hawks, en una sátira sobre el periodismo de juzgados e investigación en los EE.UU. de los años 20-30. Con Walter Matthau como director de un prestigioso perióidico y Jack Lemmon como su mejor periodista a punto de abandonarle para casarse justo el día de una de las noticias del año.

Y entre recovecos de la comicidad y los gags (memorable el psiquiatra), queda resquicio para la denuncia, la ironía y el sarcasmo de un mundo (periodismo y justicia) no tan alejados de la actualidad.

Series - Criticando, siempre criticando

Mad Men (*****) [1ª temp.]
de Matthew Weiner.

Vaya obra maestra se ha sacado de la manga Matthew Weiner (guionista de Los Sopranos), con unos elementos simples pero tremendamente bien hilvanados. Es cierto, ambientada en los años 60 en el mundo de la publicidad, es ésa la excusa, la fachada tras la que se esconde toda una sucesión de turbias historias, de personajes atados a su destino, orientados hacia una tragedia griega.

Son esos personajes tan bien diseñados: Draper el genio de la publicidad, con su bella esposa, sus bellos hijos, su bella casa, y su miserable existencia. Su esposa, con su bello marido, sus bellos hijos, su bella casa, su inmensa soledad. Campbell con sus deseos de ascenso, con su exagerada codicia, con su fracaso matrimonial, con su amor inconfeso. La señorita Olsen, con sus miedos, sus incertidumbres, su pasmosa creatividad, sus problemas en un mundo de hombres.

Y así podíamos seguir con cada uno de los personajes. Todos unidos por la publicidad en momentos de expansión. Un mundo tremendamente machista, gris del humo incesante de tabaco, gris también por los deseos inconfesables. Lo que es tremendamente bello por fuera, se pudre por dentro.

Y ése deterioro se percibe capítulo a capítulo, lenta, pausadamente, cada escena se alarga un instante más para añadir pesadez a la acumulación de drama. Puede parecer aburrida, pero cuántas cosas pasan en la simple exhalación de humo.

Series - Criticando, siempre criticando

Pushing Daisies (***) [1ª temp.]
de Bryan Fuller.

Lo mejor de Pushing Daisies es su superficialidad (en el buen sentido), me explico, su realización, su colorismo, su extravagancia, sus personajes. Lo peor de Pushing Daisies es que se queda ahí y las historias quedan en segundo plano, quizás obligadas por la consabida huelga de guionistas que ha dejado en 11 capítulos la primera temporada.



Lo malo es que no apuesta decididamente por ser comedia y se queda a medias. Lo malo es que no apuesta por ser un drama, y se queda a medias. Y aún así, sostiene su calidad en la precisión de la descripción de los personajes y en los actores que lo soportan. Una propuesta diferente.

Criticando, siempre criticando

Somers town (***)
de Shane Medows y Paul Fraser.

Cine social británico, pero alejado del tradicional cine social británico. Todo es mucho más simple. Una historia breve, realista, sin detalles para la galería y con un trasfondo que quema, además de ser bella estéticamente hablando, con un blanco y negro que redunda en lo gris de las vidas que cuenta, sólo con una escena final a color que rompe esa armonía.

Tomo llega a Londres deseante de una nueva oportunidad, o en verdad, ni eso, Tomo llega a Londres huyendo de algún otro lugar. Marek llegó a Londres junto a su padre desde Polonia buscando una nueva oportunidad, o en verdad, ni eso, Marek llegó a Londres huyendo de un pasado familiar tormentoso.

Y esta extraña pareja, de pasado similar y de futuro indeterminado, se cruzan en la gris Londres cercana de la Estación, símbolo de porvenir construido sobre manos indecisas. Y entonces, como toda historia que se precie, aparece ella, María, de origen francés, y sueño y anhelo de los dos chicos. Y esto es todo, el paso a la madurez de los dos que aprenden a fuerza de golpes, donde María es una pequeña luz de esperanza.

Sencilla, amable a pesar de su temática, más comedia que drama y con una banda sonora deliciosa.

Series - Criticando, siempre criticando

Generation kill (*****)
de David Simon, Ed Burns y Evan Wright.

Baltimore se le quedó pequeña a David Simon y decidió volver a aliarse con sus habituales de The Wire (Ed Burns entre ellos) y llevar a la pequeña pantalla la historia “Generation kill” de Evan Wright, que también participa en el proyecto.

Si ya en The Wire teníamos cinco denuncias de la sociedad miserable actual, una por temporada, aquí la denuncia toma mayor grado al adentrarse en las primeras incursiones de la Guerra de Irak hasta la supuesta victoria. Así, de primera mano (de muy primera mano) y realista como pocas, Generation Kill narra el día a día de los marines en combate. Realista no tanto por efectos especiales ni grandes batallas filmadas, realista por narrar las miserias del escuadrón, de sus jefes ávidos de reconocimiento y de la pésima gestión de la guerra.

Los soldados, tratados como marionetas, se resignan a esta crueldad que ellos eligieron o no. Y todo ello, con Evan Wright como un personaje más que ve de primera mano lo sucedido y luego lo redacta como documento imprescindible sobre Irak. Imprescindible como testimonio documental y también dramático. Una joya de siete capítulos. La guerra hecha televisión.

Pasiones cinéfilas – Samaire Armstrong

No es una celebridad, ni lo llegará a ser, tampoco es un bellezón, ni una superactriz con talento, pero tiene encanto. Puede que sea el hecho de ser japonesa, claro que de padres occidentales (escocés e italiana), así que los rasgos no juegan a su favor. Puede que sea su extraña infancia (Japón, Hawai, Arizona), pero en cada primer plano parece comerse la pantalla sólo con su presencia. Después de hacer películas juveniles, fue en The O.C. donde se dio el pequeño salto de calidad, dando vida a la intrigante amiga de Adam Brody.

Posteriormente, una nueva participación en otra serie (Entourage, o El séquito en su traducción española) y más recientemente las películas Around June y la vampírica Rise: Blood hunter, con Lucy Liu. Posteriormente, vuelta de nuevo a la tele con Sexy Money, donde da vida a una especie de Paris Hilton. Así que atentos a Samaire, de la que no me atrevo a criticarla, entre otros asuntos porque sabe judo, kárate y lucha con sable. Así que si estás leyendo esto: sigue así, Samaire, eres la mejor.

Criticando, siempre criticando

La desconocida (****)
de Giuseppe Tornatore

Intenso thriller, alejado pues, en principio, del universo Tornatore, pero a pesar de encontrarse en otros ambientes, ese universo sigue presente en menor cuantía, sin duda ayudado por un estupendo final marca de la casa, y la estupenda banda sonora marca de la casa Morricone.

La desconocida narra con pasmosa frialdad y oscuridad la llegada de Irena a un bloque de edificios como limpiadora, y los intentos de ésta de conseguir mejores trabajos sirviendo a los inquilinos, especialmente para una madre y su niña pequeña, hasta que por fin lo consigue y entabla una relación muy íntima con la hija. Al principio parecemos desconocer los motivos que llevan a Irena a este lugar, pero poco a poco se van descubriendo. También parecemos desconocer su actitud extraña, siempre observadora, siempre buscando, pero poco a poco se va descubriendo.

Es por tanto un filme en el que partimos de hechos constatables pero sin explicación sólida detrás. Y es Tornatore, a base de pequeñas concesiones el que nos va abriendo los ojos, sin incurrir a sorprendentes giros de guión ni a desproporcionados flashbacks. Todo a su medida, siendo el espectador el que poco a poco va descubriendo a esta desconocida, haciéndole partícipe del filme. Convirtiendo ésta en una de sus mayores virtudes, junto a la música, por supuesto, y a la interpretación contenida de todo un descubrimiento, la actriz rusa Kseniya Rappoport. Y por supuesto, ese estupendo final que nos demuestra que todos, efectivamente, tenemos una segunda oportunidad.